Museo del Louvre. Rivalidades en Venecia (II)

Crónica de la exposición “Rivalités à Venise” que reúne las obras de Tiziano, Tintoretto, Veronés y Bassano en el Museo del Louvre


La sala siguiente està dedicada a los reflejos y al resplandor de las superficies. El espacio en penumbras recorta en siluetas sombrías a los visitantes. Los cuadros resplandecen, como las imàgenes de la ciudad reflejada en los cursos de agua. Las brumas son sombras densas en el interior del museo. Paseamos como si estuviéramos por los corredores de un mercado. Las gentes se agolpan, murmuran frente a una obra que se abre como una ventana a un interior càlido de colores luminosos y apagados. Navegamos por los canales sombríos. Los cuadros nos sorprenden cómplices de las escenas de intimidad femenina o de los esplendores brillantes y serenos de las armaduras de los guerreros.
Durante el Renacimiento, los artistas venecianos se plantearon el problema de la representación de la realidad, estableciendo diàlogos de superioridad y méritos entre la pintura y la escultura. La pintura como una superficie en la que el juego se establece en dos dimensiones. Creadora de la ilusión de la representación en tres dimensiones del espacio, gracias a la superioridad del color y la luz. La escultura desde el poder de ocupación real del espacio. El fragmento de realidad mostrando todos sus perfiles en el recorrido de la pieza. El tiempo y el espacio en la representación haciendo de la escultura un fragmento de la realidad. Este debate lleva a los pintores a explorar las posibilidades de la perspectiva y la utilización de la representación de los reflejos en espejos y objetos metàlicos como una forma de completar la imagen, develando la parte escondida de las formas y creando éste juego ilusionista del espacio.
En la sala, aparece la obra de Tintoretto, «Susana y los viejos». Ocupa las miradas de todos. Una joven, -la heroína biblíca- sentada en un jardín se observa en un espejo, mientras introduce una pierna en el agua de un estanque. Dos hombres viejos la espían y la desean. En apariencia cada personaje permanece ensimismado en la contemplación, sin reparar en la presencia de los otros. La escena son unos minutos de calma que no permiten presagiar la violencia de los acontecimientos narrados en el libro de Daniel. Se mantiene el suspenso -casi cinematogràfico- del desenlace de la escena. La dinàmica de los tres personajes, su situación estratégica en el espacio de la composición, involucran al espectador y lo llevan al interior. Oscuros los primeros planos, salvo Susana que se dibuja toda curvas como una nube densa y sensual de carnes doradas. Reflejos, transparencias, miradas y complicidades del espectador sorprendido en la contemplación. Un paisaje al fondo del jardín. El infinito viaja desde el primer plano de la joven mostrando su cuerpo, sus joyas y objetos, mientras el espejo en diagonal crea el espacio oscuro y misterioso, la posibilidad de la fuga. Una luz como gotas, dibuja las mínimas hojas de unos arbolillos como juncos cimbreantes. La obra oculta la imagen reflejada en el espejo, los viejos tampoco pueden disfrutar el reflejo, así, la casta Susana mantiene a todos cautivos. Un instante que dura siglos.
Rivaliza con Susana la «Venus del espejo» de Tiziano, màs pudorosa, sentada en un interior, està acompañada por dos amores inofensivos. Uno sostiene el espejo, el otro juega a coronarla. La Venus se cubre como si la hubiera sorprendido su imagen reflejada en el espejo. Pràcticamente de perfil al espectador, el reflejo nos descubre su rostro oculto. Veronés prefiere los destellos luminosos del metal bruñido y reluciente para representar la masculinidad del guerrero «Saint Menna». La figura de pie, ocupa el espacio de un nicho arquitectónico. Una media bóveda en la que el personaje cubierto de metal, aparece armado con lanza y espada. Una capa roja como una llamarada. Su protección metàlica articulada, lo convierte -por fragmentos- en un gran insecto pulido y brillante. La sensualidad erótica de las mujeres que absorben la luz en sus cuerpos dorados y la dureza metàlica, fría y deslumbrante en la pose del guerrero.

©2009 Maite Díaz

Crónica de la exposición “Rivalités à Venise” (I)

(Continuarà)

Museo del Louvre. Rivalidades en Venecia (I)

Crónica de la exposición “Rivalités à Venise” que reúne las obras de Tiziano, Tintoretto, Veronés y Bassano en el Museo del Louvre

La noche en los museos tiene un encanto especial. Las galerías y salones de pintura casi siempre son iluminados con luz artificial, envueltos en una falsa noche «conservadora». La llegada nocturna al Museo del Louvre para visitar «Rivalités à Venise», envuelve en el misterio de la noche real, la piràmide, borrando el eco de gran supermercado de la entrada. Y en la bajada a las galerías que se situan en el sótano del museo, comenzamos a navegar por los canales.

La exposición, como la ciudad en la laguna, està estructurada en diferentes islas. En el primer muro a la entrada, sobre un fondo oro viejo, se recortan las siluetas de los cuatro pintores: Tiziano, Tintoretto, Veronés y Bassano. El fragmento es del cuadro de Veronés, «Las Bodas de Canaan». El pintor realizó su autoretrato al centro, tocando un violín, el resto de los pintores forman con sus instrumentos un cuarteto musical. Desde el talento y el virtuosismo de cada uno producen una pieza armoniosa. La historia de la escuela veneciana, de 1540, hasta el fin del siglo, es la historia de las influencias y los intercambios entre éstos cuatro artistas. Vasari refiriéndose a ésta época de esplendor, describía a la naturaleza como sabia creadora de talento diverso y múltiple, que ademàs decidía reunirlo para que de las confrontaciones surgieran las mejores obras.

La primera parte de la muestra, establece las rivalidades iniciales entre los tres artistas màs importantes en ésta época: Tiziano era el mayor de todos y fue reconocido pintor del Papa, de príncipes y reyes europeos como Carlos V y Felipe II, y de todas las familias europeas influyentes de la época. Tintoretto, inspirado por el manierismo y admirador de Miguel Angel llega a Venecia con el ímpetu de una gran ambición y una personalidad y estilo diferentes al de Tiziano. En el mismo momento, Veronés, dotado de un talento excepcional para las grandes composiciones y de una visión monumental del espacio, es protegido por Tiziano que le favorece para que pueda obtener importantes encargos de los personajes màs adinerados de la ciudad. Tintoretto serà excluído, pero su talento y sus composiciones dinàmicas, ademàs de su utilización dramàtica de la luz y el color, lo convertiràn en uno de los artistas màs apreciados por la aristocracia veneciana.

En la primera sala nos reciben dos obras de Tiziano. De frente, a la entrada, nos mira severo y sereno el Papa Pablo III, viejo, apoya su mano izquierda en la butaca confortable, no sabemos si piensa levantarse, su mano derecha muestra el anillo  dispuesto al besa manos. Cuentan que cuando Tiziano lo sacó del atelier a la calle, para dar las últimas capas de barniz, los venecianos lo reverenciaban a su paso. Es un retrato poderoso e inquietante en el que la tensión psicológica se establece en un recorrido visual de reverencia desde su mirada, situada por encima de la nuestra, descendiendo hasta la mano que muestra el símbolo de poder obligàndonos a bajar la cabeza en el ritual de respeto y sumisión a la jerarquía.

Al otro lado «Danae». Un retrato desnudo muestra el cuerpo femenino en su esplendor. La mano izquierda se esconde tras las piernas entreabiertas; pudorosamente de perfil al espectador, su mano derecha sumerge sus dedos entres los pliegues del paño suave, blanco y vaporoso que sedosamente envuelve sus piernas. La visita de Zeus, la lluvia de piezas de oro representando la fecundación divina mitológica, asusta a un angelote transformàndole en intruso. La ligereza, en contraposición a los pesados paños que en la otra obra viste el Papa. Lo sagrado y lo profano, lo masculino y lo femenino, el poder sobrio, severo y el relajamiento  sensual del erotismo dialogan en éste espacio, como lo hicieron en su día en las mansiones y palacios de Venecia, la República libre y próspera. Tiziano construye con el color, sus pinceladas son visibles, los bordes se esfuman y las formas habitan sin contornos definidos el espacio, creando unas atmósferas por contrastes de color y luminosidad, sin la precisión de un dibujo definido a la manera de los pintores del centro de Italia.

En la segunda sala estàn las obras en grandes formatos de Veronés y Tintoretto. Al centro, el cuadro «San Marcos coronando a las tres virtudes», una obra de Veronés que resume el estilo elegante y aéreo del artista. Es un cuadro de tema sacro resuelto con un espíritu decorativo, en el que los espacios de los fondos, son tan importantes como las figuras de influencia manierista representadas en violentos escorzos, dibujados los paños con delicados tonos. La composición seduce por su dinamismo que estructura el diàlogo entre San Marcos, el hombre, el santo que flota, ofreciendo la corona a las virtudes representadas en un plano terrenal junto a niños y  àngeles. Las mujeres muestran sus brazos desnudos en alto, sus manos y  esconden sus miradas al espectador sin dar la espalda. En «La tentación de San Antonio» Veronés recurre a un encuadre cerrado, un primer plano que concentra toda la atención en la izquierda del cuadro, en la lucha de las tres figuras y el tormento del santo ermitaño. La violencia es representada por la acción, pero sobre todo, por la atmósfera oscura que sugiere una sensación de terror y asfixia.

Un pequeño retrato nos atrae, es un autorretrato de Tintoretto. De perfil, gira el rostro al espectador y fija sus ojos poderosos. Un fondo oscuro de un tono apagado, con olor a miel, ceras y aceites envuelve a la figura. Estamos muy cerca, sus cabellos negros ensortijados y sus ojos con un brillo de aceitunas. Entra y sale el contorno de la luz a la sombra, brillan los bermellones en sus pàrpados, las pinceladas visibles, los acentos luminosos modelan la belleza de su rostro determinado. La visión es un instante intenso que parpadea.

Veronés es el aire. Tintoretto la tierra, màs atormentado y apasionado en su manera de pintar, utiliza una paleta màs dramàtica y sombría. En sus cuadros de gran formato, el espacio es infinito. De los tres artistas, es el que estructura composiciones complejas con escenas simultàneas a escalas diferentes, adentràndonos en el paisaje en profundidad. En su San Agustín, los planos sagrado y profano establecen dos dinàmicas diferentes. San Agustín se dibuja en la parte superior del cuadro casi en un primer plano. Su cuerpo ligero, envuelto en una nube -como una aparición- ocupa todo el espacio. Sobre la tierra se suceden en profundidad, -como ecos-, las voces de las nueve escenas que discurren en perspectiva hacia un fondo arquitectónico en brumas. Las figuras se dibujan ondulantes relacionando los diferentes grupos de personajes: los enfermos, paralíticos, tullidos son los que animan la escena bajo los rayos benéficos de San Agustín.

Retratos de representación: patricios y patricias

Los retratos se realizan con un código de representación ideado por Tiziano y que continuaràn Veronés y Tintoretto. Los personajes por su posición, sus ropajes, joyas  y relación con el espacio, narran, describiendo con precisión, su posición social, los acontecimientos de su vida política o militar.

Los retratos femeninos estàn relacionados al espacio interior de la casa, el espacio femenino de la intimidad, de la familia y el hogar. Sobre un muro hay tres retratos femeninos, destacan las mujeres de Veronés y Tiziano. La primera, severa y sobria no luce grandes joyas, lleva un pañuelo en la mano y su mirada es de desconfianza. Tierra, su traje remata con pequeños lazos las mangas, es la única fantasía que ofrece la señora del pañuelo. La joven pintada por  Tiziano, se supone es su hija, con màs humor, lleva un elegante espantamoscas –como un cetro- de mango dorado y plumas. Su mirada es distante, y tal vez su aire un tanto altanero, se deba a su poder para espantar las moscas en la humedad de los interiores de Venecia. Su traje verde esmeralda le da un aire pesado y mineral que sólo lo aligeran las plumas de su cetro. Lleva pendientes dorados, alianzas y brazalete, un collar de perlas ajustado al cuello, un largo collar dorado con medallón y una especie de leontina sin reloj que termina en unos cascabeles. Quizàs astucias de los maridos para escuchar el tintineo al andar de sus esposas. Los retratos son de medio cuerpo, éstas rollizas patricias seguro llevarían calzadas les chopines, el calzado elevado en plataformas altas, ideado para las venecianas -por sus maridos- para dificultarles los desplazamientos ràpidos, las visitas furtivas o las citas ràpidas con los amantes protegidas por las brumas. A las mujeres la voluntad de encerrarlas siempre les ha dotado de mucha imaginación.

Dos retratos masculinos enfrentan a Tiziano y Tintoretto ésta vez. Los retratos de dos dogos de Venecia. Tiziano retrata a Francesco Venier a los sesenta y pico de años. Un hombre envejecido y enjuto, de mirada serena. Su mano derecha se mantiene en un gesto detenido de persuasión. De pie junto a una ventana, vestido con una capa ocre dorada y un sombrero de aire oriental, entre las sedas rojas de los cortinajes y el brocado de su capa, el personaje del alto dignatario, exhibe el exotismo veneciano en una anatomía decadente. Una mano retiene y la otra demanda prudencia. Los gestos de un diplomàtico o de un negociador. Desde la ventana, una barca con una vela latina inflada se desplaza, y desde un edificio, las espirales de humo de un incendio invaden la escena.Es sombría la atmósfera, la vida que termina. Tintoretto retrata a otro Venier, el Almirante Sebastiano Veniero, un militar protegido por su reluciente armadura. Viril y determinado. El Almirante de la flota de la República es el vencedor de la batalla de Lepanto. En la ventana que se abre al fondo, se despliega la batalla naval. Un cuadrado de cielo empastado y azul. El fragor del combate, las llamaradas y las espirales de humo  como gigantes entre las naves, decenas de remeros, como hormigas, y las velas plegadas.

©2009 Maite Díaz

(Continuarà)

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Paris la Nuit Blanche

Nuit Blanche en París. Evento de arte contemporàneo. Vídeo instalación en la fachada del Hôtel de Ville.     ©2009 Maite Díaz

El concejal de Cultura de la Alcaldía de París, Christophe Girard, declaraba ayer el éxito de la organización de la octava edición de la Nuit Blanche, que según las estadísticas, a las once y media de la noche contabilizaba la asistencia de un millón y medio de visitantes recorriendo los diferentes espacios que presentaban obras de arte contemporáneo: instalaciones, vídeo instalaciones, obras sonoras o obras realizadas en el interior de monumentos religiosos como la Catedral de Nôtre Dame o las Iglesias de Saint Eustache en Chatêlet o Saint Severin en el popular y cosmopolita Barrio Latino.

Nuit Blanche. Nôtre Dame de Paris     ©2009 Maite Díaz
París es una ciudad que ha mantenido su centro histórico original con la dinàmica y la vitalidad de siempre. Ademàs, concentra edificios importantes en la vida de la ciudad, como la Catedral y el Tribunal de Justicia. Las islas: la Ile de la Cité y la Ile Saint Louis en el Sena y el Barrio Latino, fueron los espacios que decidí visitar en éste recorrido para muchos controvertido e irrelevante en plena crisis. Se organizaron también instalaciones en el parque de Buttes de Chaumont al norte de la ciudad. Los proyectos fueron seleccionados por un jurado que, a su vez, distribuyó los dineros necesarios para la producción e instalación de las obras. Otros artistas presentaron proyectos que fueron seleccionados a condición de encontrar sponsors, mecenas que corrieran con los gastos de realización. La Alcaldía se encargaba ademàs de la protección de las obras y las cuestiones técnicas necesarias a su instalación. La fotógrafo Chantal Stomas realizó una serie de imàgenes nocturnas de Tokio, y, decidió instalarlas en el tunel del metro de Chatêlet, « Lost Highway » se titula su pieza. En un artículo en el periódico Le Monde, la artista narra las peripecias para encontrar los medios para realizar su obra que, en parte, ha debido sufragar con sus economías personales; a pesar de recibir apoyo de la RATP, la red de transportes urbanos, ademàs de una donación de la Alcaldía de la ciudad. Arte Contemporàneo necesitado de subvención estatal porque con la crisis, las empresas privadas son cautelosas con los gastos.

El Sena atravesando el puente hacia el Barrio Latino. ©2009 Maite Díaz

Llegamos a París a las nueve de la noche y tras una media hora de paseos en coche, a la caza de una plaza gratuita, y casi decididos a dejarlo en el parking de la Cité Internationale des Arts, tuvimos la suerte de poder tirar el ancla en la Rue des Cerises, en el Marais. La ciudad es también su río y el río es la ciudad. Esta imagen, si pienso en La Habana y en su río Almendares, se me revuelve el estómago con sus perfumes. Si pienso en Zaragoza -donde viví tres años- recuerdo buscar el río con los versos de Martí…”amo el Ebro lodoso y el Pilar azuloso de Lanuza y de Padilla”, poesía…pues la ciudad no disfrutaba su poderoso caudal. En Madrid tampoco el Manzanares es una arteria viva en la vida de la ciudad. Y Barcelona no tiene río, pero tiene el mar. El agua ha sido un reflejo, un espejo social de las costumbres, ha permitido la fluidez del comercio, la vitalidad de la comunicación y la organización de los territorios, su progreso y desarrollo. Venecia la próspera, es una ciudad lacustre trazada por cursos de agua. París es su río, un torrente por el que viajan mercancías, peniches de transporte comercial e industrial, barcos de turismo, barcos para pasear, barcos restaurantes, bares desde donde las perspectivas de la ciudad se manifiestan imponentes al viajero. Gente que vive a orillas del Sena, navegantes. La ciudad disfruta sus dos orillas todas las estaciones del año, cuando no hay crecidas importantes.
El fluído luminoso de un río es un reto para un artista, imposible competir con el espectàculo que se organiza en el río, sus puentes, los arcos que cobijan amablemente a los clochards, a los amantes y a los grupos de turistas maravillados de tanta fluidez y luz.

La Seine, el río Sena.    ©2009 Maite Díaz
La Nuit Blanche organiza espectàculos en los que la luz es materia. Vídeo instalaciones, piezas en las que la luz y el sonido se integran a la lectura de los recorridos de la ciudad, piezas de los artistas « consagrados » y agraciados en los espacios sagrados de las iglesias parisinas, en los que antes, los escultores, pintores y maestros vidrieros narraban la vida religiosa o de la cité. Hoy los artistas proponen una lectura diferente de éstos espacios sacros con sus piezas luminosas en el interior de Nôtre Dame, o sonoras, en la iglesia Saint Severin del Barrio Latino.
Las colas para acceder a ambas iglesias eran de decenas de metros y el verdadero espectàculo sin esperas, ni peregrinajes estaba en las calles que, con, o sin Nuit Blanche, son una aventura. El valor de un evento como éste, es la promoción que juega con el tiempo de una noche, y, el concepto de lo efímero y de la finitud que puede mover a mucha gente a tomarse el paseo como una fiesta. En el Hôtel de Ville -que así llaman a la sede de la Alcaldía en Francia- había una pantalla gigantesca con un vídeo de una mujer de espaldas a la càmara,  frente a un torrente de gente que caminaba frente a ella, y, a la càmara, sin reparar en su presencia. Al otro lado de la realidad de la noche, en las plazas y en los puentes y calles, estàs en medio de avalanchas de cientos de miles de rostros que cruzas en unas horas, a los cuàles descubres, miras a los ojos, escuchas sus risas y conversaciones, entonces no sé muy bien cuàl era la idea de éste vídeo a la antonioni, posiblemente versaba sobre la incomunicación, las minorías, parecía asiàtica la figura femenina detenida a contracorriente. Es posible la comunicación, el aislamiento cultural, la confrontación, fueran el tema de la pieza.
Seguimos el recorrido hasta la Ile de la Cité, la masa, era como una concentración ligera, la gente relajada, sonriente, siguiendo disciplinadamente los itinerarios y haciendo las colas para entrar en la Catedral y en la iglesia de Saint Severin en el quartier Latin y ver a los artistas “consagrados”, en los espacios sagrados.

Patinadores en Nôtre Dame.   ©2009 Maite Díaz
El espectàculo como podràn imaginar era la calle. Los patinadores, magníficos, divertidos, con un control de la velocidad, la destreza del cuerpo, las acrobacias. Actuaban improvisando historias simpàticas, dramas humorísticos en relación a sus proezas imposibles, como un infarto y los primeros auxilios en el suelo a lo Buster Keaton. Éstos jóvenes eran un grupo de tres o cuatro y se presentaban a un lado de Nôtre Dame. Luego entrando en el Quartier Latin, otra cola para la entrada a la iglesia, pero la calle era un torrente de gente y energía. Los jóvenes, la gente mayor, los turistas, los franceses, los parisinos y de pronto una coreografía de mujeres y hombres, todos negros, en una gran conga subiendo en  batucada, atravesaron la avenida para tomar la Ile de la Cité, era una manifestación de las minorías, vestidos de blanco y rojo y todos a paso de tambores. Había tanta gente que aquello se diluía en la gran masa frente a la catedral. En las dos orillas del Sena, los jóvenes se reunían en sus picnics nocturnos, aprovechando el buen tiempo.

Danza con bola de cristal en la plaza de la Catedral de Nôtre Dame durante la Nuit Blanche en París.  ©2009 Maite Díaz
Después de cenar en el Barrio Latino, regresamos a la Ile de la Cité. Un joven danzaba con una bola de cristal transparente, sus movimientos eran de una rapidez, que la esfera por momentos parecía parte de su cuerpo. Un espectàculo que tenía màs de cien personas alrededor. En las sombras de la gran explanada de Nôtre Dame, la esfera de cristal brillaba pegada a su piel, recorriendo de un contorno de luz su cuerpo. Estos espectàculos callejeros espontàneos, fueron los que decidimos disfrutar, sin colas ni estrés “contemporàneo”. Caminando por el París eterno de los poetas y los buscavidas.

El profeta y su manifiesto  ©2009 Maite Díaz

El río y su trasiego, las luces, los barcos, los puentes y al final en el Marais un “profeta” con barbas y un coche-carroza-artilugio, con su declaración de principios, lanzaba pompas de jabón. Sus ideas políticas afichadas en carteles y un discurso incansable, discutía con la gente, se dejaba fotografiar sin problemas, repetía constantemente problemas de bancos y créditos y vivienda…la crisis. Su intervención callejera era entre profunda y humorística. Como buen evangelista tenía un corro importante de divertidos que lo interpelaban y él contestaba sonriente. Otros màs pensativos le miraban asombrados. En la cumbre de su objeto ondeaba una bandera blanca con una estrella de David dibujada, no sé, qué pertenencia reclamaría.

Instalación de luz y sonido en el puente entre la isla Saint Louis y la isla de la Cité. ©2009 Maite Díaz

En medio del Sena, entre las dos islas, la de la Cité y Saint Louis, había una instalación de cubos luminosos que se animaba con una música new age. Cambiaba de colores, de verdes a rojos, o azules, siguiendo  la gravedad e intensidad del sonido. Atravesabas el puente entre éstos totems y la música. La noche y el río. El agua oscura y el espectàculo cinético de las luces càlidas centelleando, dando ese brillo vital ,y, a la vez melancólico, a la ciudad.

©2009 Maite Díaz

Rafael López Ramos expone en Wynwood

http://www.lopezramos.info
http://losliriosdeljardin.blogspot.com

CUBA Arte y Política. Saltarnos el Muro del Control (II)

SIN LIBERTAD DE PRENSA Y DE EXPRESIÓN NO HAY DEMOCRACIA Y LA LIBERTAD ES UN SIMULACRO 

Para apoyar el performance de Tania Bruguera en la X Bienal de La Habana que realizaron: Yoani Sànchez, Claudia Cadelo, Ciro Díaz , Claudio Fuentes y Reinaldo Escobar y un grupo de espectadores que se sumaron a las demandas de Libertad y Democracia formuladas por ellos, consulte y deje su firma de apoyo en PENÚLTIMOS DÍAS

En los 80 el “arte contestario” político en Cuba, el que se exhibió en galerías y museos del Estado, estaba controlado por el Ministerio de Cultura que lo exhibió en exposiciones internacionales mostrando la obra de “artistas críticos”, funcionó como propaganda de apertura política en la época de la perestroika.

En 1989 en el proyecto del Castillo de la Fuerza, el día que inauguramos se censuró la exposición y se acabó el proyecto. Estaban Ponjuan y René exponiendo en la sala baja y, Sandra Ceballos arriba  nos ofreció un espacio a un grupo que no estàbamos invitados. Todos los que expusimos arriba fuimos invitados por Sandra Ceballos directamente, fuera de programa, porque las listas de “artistas invitados ” las controlaba Alexis Somoza, y no recuerdo quién màs. La pieza de Glexis Novoa la taparon con plàstico para la inauguración después de pasar la censura, pero no se desmontó.

El resultado de la censura fue que cerraron las dos muestras y, costó el puesto de viceministra de Cultura a Marcia Leiseca. La respuesta de todos fue una huelga organizada, una protesta que se conoce como “EL JUEGO DE PELOTA”, Rafael López Ramos en su blog LOS LIRIOS DEL JARDIN ha recordado en detalle el asunto.

CUBA La Hora de saltarnos el Muro del control

Vídeo del performance realizado  en La Habana 

En La Habana actualmente se celebra la X Bienal de La Habana, un evento internacional de las artes visuales. La artista cubana Tania Bruguera, organizó un performance instalando una tribuna con micrófonos sobre un podium, en medio del patio colonial de una institución cultural, el Centro Wifredo Lam en La Habana Vieja.

La estructura de “la acción” incluye dos jóvenes de verde olivo encargados de “controlar” a la blanca paloma que suponemos simboliza la libertad. Hubiera preferido la tribuna y los ciudadanos solos expresando sus ideas. Pienso la artista quiso hacer una especie de remake o cita relacionando la acción al  primer discurso del actual dictador convalesciente  Fidel Castro tras el triunfo de la revolución, una reproducción de un espacio que fue realmente libre en el 1959, que reunió  a la ciudadanía cubana tras una huelga general para derribar al dictador Batista. Este juego con el tiempo, los espacios y los símbolos, creo resulta un poco caricaturesco como entramado simbólico. Lo realmente valioso ha sido la posibilidad de expresión, aunque ésta se encuentre aún mediada y en un espacio (interior) de representación durante un evento internacional, pero por algo hay que comenzar. Soy escéptica, no confío en éstas operaciones que pueden funcionar como propaganda, si la libertad no se traduce en acciones políticas reales en la sociedad, pero son hechos que permiten publicidad a los que escriben, al movimiento blogger y que pueden ir erosionando el sistema y sobre todo hacer que la gente pierda el miedo.

Lo importante ha sido la valentía de Yoani Sànchez, Claudia Cadelo, Ciro Díaz, Claudio Fuentes, Reinaldo Escobar, y otros jóvenes y algunos invitados extranjeros que han tenido el coraje de hacer uso en una tribuna pública  de sus derechos a la libre expresión. Las palabras finales de Yoani Sànchez las he seleccionado como título de éste post, ha llegado LA HORA DE SALTARNOS EL MURO DEL CONTROL, palabras emocionantes para todos los que hemos vivido en Cuba bajo la represión; Claudia Cadelo, ràpida, ha dicho una verdad: que la libertad de expresión sea una realidad y no un “performance”, que ya tenemos experiencia de “los permisos alternativos” en los espacios de la cultura que son manipulados por el poder como propaganda de apertura y que no expresan luego una libertad real.

ART PARIS 09. Feria de Arte moderno y contemporàneo

EL MERCADO DEL ARTE Y LA CRISIS FINANCIERA EN FRANCIA

“Nosotros”  2008 de Jaume Plensa a la entrada de la Feria Art Paris 09

En París se celebró del 19 al 23 de marzo, la Feria de Arte Moderno y Contemporàneo ART PARIS 09, undécima edición de éste evento de las artes visuales. Desde hace varios años, se organiza en los espacios de exposiciones del Grand Palais. Visité éste sàbado la Feria. Reservé el billete por internet pensando encontrar las largas colas de otros años. El billete electrónico suponía evitar la cola, pero para sorpresa, el sàbado a mediodía no había gran cantidad de público y luego en los espacios de las galerías, la visita podía hacerse relajadamente, sin los tumultuosos grupos de visitantes. La crisis se ha hecho evidente en el flujo menor de espectadores, en la ausencia de los grupos de artistas y asociaciones que instalaban sus espacios en carpas en los Champs Elysées y en la constatación del desplazamiento de pocas obras de los maestros modernos, màs caras en sus precios de salida y también màs caras en los valores de los seguros.

Leo a Lorenzo Rudolf, director de desarrollo internacional y que ha sido organizador de ferias importantes como Art Basel, de 1991 al 2000 y creador de la edición Art Basel Miami Beach, su anàlisis es consciente del peso de la crisis económica y financiera en el mercado. En su opinión la dirección del mercado en los últimos años se había dirigido hacia la obra de artistas muy jóvenes con una estética que define como lifestyle de nuestra sociedad. Para Rudolf ésta variante del mercado creó una visión « monocroma » del arte si lo comparamos con el período de los años 60 o 70, concluyendo en su anàlisis que ésta tendencia se ha desvanecido y que la nueva línea serà una estructuración hacia valores màs estables. La crisis también està resintiendo la red de galerías dedicadas a difundir y comercializar el arte, por lo que muchas se veràn obligadas a cerrar sus espacios. Otro elemento importante de la crisis que influye en el mercado del arte es su globalización y, el hecho de que las ventas no se concentren solamente en Europa y los Estados Unidos. El principal accionista de la Feria Art Paris es un grupo de dimensiones internacionales « Luxrule » que està interesado en la organización de la feria Art Paris en Abou Dhabi. La idea que expresa Rudolf es la de crear una escena artística que no existe, un mercado y un destino turístico. Leyendo éste fragmento he pensado en la crisis financiera y en lo abstracto que son los valores de mercado, y tengo ya la completa seguridad que el arte y el mercado son dos mundos totalmente diferentes. Abou Dhabi se convertirà en el centro del mercado del arte moderno y contemporàneo en ésta región del medio oriente. Para ello serà necesario crear una estructura cultural artística, digamos: los « artistas productores » de la zona, de lo contrario serà una feria occidental instalada en el Oriente y aprovechando la avidez de unos inversores y coleccionistas totalmente improvisados y neófitos, en mi opinión pura especulación que posiblemente siguiendo las leyes màgicas y misteriosas del mercado logre dinamizarlo. Resumiendo la feria, las expectativas y las condiciones del mercado, Lorenzo Rudolf se mantiene optimista y sus argumentos para ello son: « la tradición del coleccionismo francés que es sólida y, la ausencia de especuladores »

Antonio Seguí en la Feria Art Paris 09

Una de las mejores muestras individuales dentro de la feria, fue la exposición organizada por la galería Hélène Trintignan con la obra de Antonio Seguí, sus obras llenas de humor siguen desarrollando el tema de la ciudad y los personajes urbanos que se mueven en una serie de pasteles de pequeño formato y de obras sobre tela de 46 cm x 55 cm vendidas a 8000 euros. Así, las galerías parisinas han apostado por valores seguros correspondientes a movimientos bien reconocidos como: la Abstracción lírica o concreta, el arte cinético y el surrealismo, desplegando piezas de artistas como Le Parc, Seguí o Hartung. Entre las galerías destacan las dedicadas a la fotografía, grandes y pequeños formatos, y temas diversos: retratos, paisajes, ciudades. En total diez galerías reúnen piezas de reconocidos maestros de la fotografía, fotógrafos profesionales que vienen de la moda, la publicidad o el fotoperiodismo los precios de salida son de 1000 euros para llegar a piezas de hasta 15 000 euros. Una nueva cita ha sido la idea de dedicar una exposición a la bande dessinée y al street art. Jean Marc Thénevet especialista de la BD y que ha dirigido el Festival de Angulema en Francia, ha invitado figuras como: Moebius, Loustal, Miles Hyman o Joanna Hellgren «una de las raras mujeres en ese mundo de hombres.» Una de las ideas para crear un ambiente festivo en la Feria, ha sido la creación de una programación de animaciones que incluían por primera vez mantener abierto el Grand Palais hasta medianoche, una maravilla en éste sàbado de cielo azul, limpio, poder disfrutar de la estructura imponente de hierro atornillado y de sus bóvedas de cristal, dibujadas contra un cielo profundo salpicado de estrellas.

© 2009 Maite Díaz

París, el día en el Museo de Orsay

Vista de Montmatre y la iglesia Sacré Coeur desde los ventanales de la galería de los impresionistas en el Museo de Orsay

Vivir a las afueras de una gran ciudad tiene sus ventajas. Digamos que amamos la ciudad con intensidad, no sufrimos sus atascos, ni su polución, ni los inconvenientes de sus restauraciones y transformaciones. Siempre dispuestos a los descubrimientos, mantenemos ciertas fidelidades, regresamos al café en la discreta plaza, el café global exhibiendo cafés del mundo entero y un camarero simpàtico, eficiente y conversador ; pero tras algún tiempo de ausencia, la terraza ha desaparecido, el mundo del café sobrevive en otro àngulo de la plaza, menos luminoso y encantador y, las antiguas fachadas son ahora las puertas electrónicas de una gran superficie de venta de materiales y objetos de decoración.

La cultura es una de las grandes industrias de París. Los museos son estructuras que se renuevan al paso y al ritmo de directores y equipos que aceptan nuevas concepciones menos historicistas y lineales para exhibir la creatividad y el oficio de los artistas reconocidos. Crear un espacio para mostrar a Monet, sacar un cuadro de Monet, un croquis de gran formato de una pequeña sala oscura y ponerlo en el centro de la galería impresionista del Museo de Orsay, era uno de los ejemplos que recuerdo de los atrevimientos museogràficos que el director, Serge Lemoine proponía como lectura creativa del pasado, realizando un viaje de regreso en los resultados de la investigación artística de un pintor, potenciando el anàlisis del proceso y proponiendo la pieza resultado de las búsquedas, «el error», lo deshechado posiblemente por « el mercado » como expresión suprema de investigación, como enlace con el movimiento abstracto que se desarrollaría años después.

Interior del Museo de Orsay desde el fondo de la nave central, a la derecha  se encuentra la galería de los impresionistas. A la izquierda en la imagen, las estructuras rojas pertenecen a la exposición temporal dedicada a la emancipación de los escultores del siglo XX de la influencia de Rodin, la exposición se titula: Oublier Rodin ? La sculpture à Paris, 1905-1914

Regresé ayer al Museo de Orsay, después de casi un año sin visitar las colecciones. Es un Museo que resume el arte europeo de 1848 a 1914. Perfectamente estructurado, el recorrido comienza por la planta baja. A la derecha Ingres, Moreau, Delacroix y a la izquierda de los espacios monumentales de la antigua estación, encontramos las divertidas esculturas caricaturas de Honoré Daumier realizadas en arcilla policromada. Los personajes representados son todos parlamentarios de la Asamblea, figuras políticas contemporàneas del artista. La influencia goyesca en su obra pictórica es evidente en éstas piezas escultóricas.

La nueva escenografía museogràfica ha mejorado notablemente en la presentación de las obras de Courbet de pequeño formato, instalándolas en salas màs pequeñas, íntimas y acogedoras. Sobre fondos apagados de color verde olivo y violeta han sido colocados, «L’origin du monde » que fuera propiedad de Lacan y que estuvo escondido en su casa durante años tras una cortina, el paisaje de las costas normandas, calizas y blancas, el gran pez. Manet y su sala « española » con « Lola de Valencia », su cuadro sobre la corrida y arriba, subiendo los peldaños del desnivel de la planta baja, « El Desayuno sobre la hierba », màgico, magníficamente iluminado, el cuadro solo, sobre un muro verde extiende la sensación de libertad, de bosque y prolonga la atmósfera atrevida y relajada que narran los personajes. Puvis de Chavannes, un pintor verdaderamente moderno por su tratamiento del espacio, su modernidad gràfica conserva su sala a la derecha llegando al fondo.

Subir a la sala de los impresionistas es siempre emocionante. En paralelo al río, a las vías ràpidas que bordean el Sena, los grandes ventanales muestran la ciudad aún invernal y gris, el silencio de la velocidad de los coches desplazàndose tras los cristales. Sobre los muros de estuco italiano, de tonos arenosos, matizados y elegantes, cuelgan los cuadros de Van Gogh, Cézanne, Manet, Monet, Degas, Renoir y dos cuadros enormes llenos de parches, empates y urgencia en los que se dibujan las bailarinas y los personajes de la noche que sedujeron a Toulouse Lautrec. Los nenúfares de Monet, caros a Serge Lemoine no estàn donde los había dispuesto hace unos años, venía con la idea de volver a ver el fragmento del estanque, el cuadro líquido en verdes y lilas, dibujado con seguridad y nerviosamente, pero no lo he encontrado. Mis amigos visitaban a velocidad, y yo, despacio, buscaba mis antiguas referencias en los espacios de Orsay, la vieja estación de 1900, me he quedado esperando en el salón de té.

© 2009 Maite Díaz

CUBA la Isla (im)Posible 1998-2009

Catàlogo de la exposición “La Isla Futura”. Arte joven cubano. Fundación Antiguo Instituto. Gijón, Asturias, 1998

Recuerdos de “la Isla Pavorosa” en Gijón

Para Juan Abreu

Juan Abreu ha escrito una carta abierta sobre el evento que se desarrolla en Barcelona  en la Casa de América. Juan Abreu se opone a la participación del escritor cubano Senel Paz, firmante de la carta de condena a la pena de muerte de tres jóvenes cubanos, que intentaron escapar de Cuba en el año 2003 secuestrando un barco. De todos es sabido que la salida de Cuba por vía legal es  imposible, està regulada y prohibida arbitrariamente por la dictadura. Fidel Castro en una manipulación totalitaria circuló una carta entre “los intelectuales” para no quedar ante la historia como único responsable de la atrocidad.

En un evento sobre Cuba después de cincuenta años de farsa, de silencio y tergiversaciones, lo importante es decir la verdad, “dialogar” y ser escuchados. Son las bases de la libertad y la democracia. La oposición cubana dentro de la isla està silenciada. No participar, ni favorecer el diàlogo es repetir las condiciones totalitarias de Cuba y continuar la lógica de silencio de la dictadura, el ninguneo y  el ostracismo.

No sé durante las ediciones anteriores qué imàgenes habría sobre los últimos 50 años de “Cuba y su revolución” en la Casa América de Cataluña, pero dudo que fueran muy diferentes a las que siempre se han exhibido. Los invitados de la oposición deben presentar las imàgenes que se ocultan sobre la realidad cubana, las fotos de Antunez en huelga de hambre y ocuparse  que sean conocidas.

Nos guste o no, ese engendro totalitario, el castrismo, (como el franquismo, el nazismo, el estalinismo, el maoismo) ha sido la realidad cubana como fenómeno de masas del último medio siglo. Todos lo hemos vivido, sufrido y de alguna manera ayudado a sostener; unos màs que otros, con grados de responsabilidad en directa relación con las actividades y cargos desempeñados por cada cual, el que los haya tenido y disfrutado o simplemente haciéndole el juego para sobrevivir. Hasta que los cubanos no asumamos eso, y muchos continúen como Fidel Castro echàndole la culpa al otro, el chapoteo infinito seguirà y con ello seguiremos en la irresponsabilidad civil que ha llevado al país a ésta catàstrofe social, política y económica. ¿De quién ha sido la culpa del engendro ? ¿ Cuàntos de los que hoy se oponen fueron parte de la maquinaria castrista, del sistema de propaganda? ¿Cuàntos de los que están en el exilio estudiaron con becas en el campo socialista por tener familias “integradas” y necesariamente militar en las organizaciones comunistas?

Rafael Rojas como historiador, està realizando un trabajo de investigación crítico para desmontar todo el aparato de propaganda que desde la prensa y los estudios oficialistas tergiversan la verdad y la historia de Cuba. Es importante que ofrezca una conferencia en Barcelona, que Jorge Ferrer hable de los desmanes y diga la verdad sobre los prisioneros políticos, sus condiciones deplorables, que María Elena Cruz Varela lea su poesía y brinde sus testimonios sobre las violencias sufridas, esté Senel Paz, Wendy Guerra o Abel Prieto en el foro. La dignidad de los prisioneros políticos, su coraje merecen que su realidad y su verdad sea divulgada y eso es lo màs importante.

En el año 1998 expusimos en Gijón un grupo de cubanos en una muestra bajo el título Cuba, la Isla Futura, entre los artistas se encontraba Juan Abreu. Yo no conocía a Abreu, pero recuerdo en Gijón Abreu nos enjuiciaba a todos, Martica la fotógrafo que llegaba desde México, otros artistas viviendo en Cuba (y nunca habíamos firmado apoyando la pena de muerte de nadie) Para Abreu el resto de expositores no  éramos “cubanos dignos” por no haber tenido la suerte de irnos durante el éxodo del Mariel o decidir cortar los lazos con Cuba, es decir con nuestra familia, de manera dràstica y definitiva. Yo ya había visitado Miami realizando una exposición en 1994 donde, como si estuviera en una asamblea de la UJC (en la que nunca milité) me habían “exigido”« definirme y dar el paso al frente » con el mismo énfasis totalitario que había tenido que sufrir en Cuba, donde logré mantenerme al margen, es decir, no militar en la UJC.

Casualmente, estàbamos vetados por “impuros”o “indignos” por la Sra Lliliam Llanes, directora de la Fundación Wilfredo Lam y organizadora de la Bienal de La Habana, que pretendió enviando una lista negra y  varios fax urgentes, pedir que los que estàbamos residiendo fuera y sin vinculación oficial no podíamos exponer. Para la Cuba totalitaria todos estàbamos en el mismo saco, discrimina siempre igual el totalitarismo de manera robusta y sin matices. En la lista estàbamos Abreu, Ballester y quien escribe, todo ésto lo supimos por Ivàn de la Nuez, curador de la muestra, que le dijo al curador de Gijón, Alberto Ruiz de Samaniego: o todos exponen, o nos retiramos. Todos nos habíamos puesto de acuerdo.El largo brazo de la dictadura que pretendió llegar hasta Gijón no pudo manipular a los curadores y funcionarios asturianos y expusimos todos. No he vuelto a ver a Abreu, hace 11 años, me gusta leerlo independientemente de que políticamente no esté de acuerdo con él en algunas cosas.

Sobre la paranoia de la seguridad del estado, y continuar con los espejismos y los fantasmas pienso es seguir haciéndole el gran servicio al castrismo. Durante 50 años el totalitarismo ha logrado seguir instrumentando y manipulando el odio estructurador como fuerza magnífica y la desconfianza. Jamàs se reuniràn los cubanos, creo es imposible reunirse y dirigir las energías hacia quién ha destruído y destruye el país, canalizando los esfuerzos sin protagonismos y centrándonos en lo esencial. 
Desde que me fui hace casi veinte años, he sido una outsider y no me he plegado a nadie. He tratado de ejercer mi libertad individual que pasa por mi independencia de movimientos y la conservación de la familia, dos objetivos que el castrismo se ha empeñado en destruir con saña, aislàndonos y  logrando con éxito la división y la desconfianza.

Senel Paz asumió una responsabilidad política firmando la pena de muerte de tres jóvenes cubanos, dejàndose manipular por un estado y un método fascista, debe saberlo, debe saber que ello implica una responsabilidad moral y política, pero yo, no haría nunca como sus carceleros, jamàs lo fusilaría, ni con dos tiros, ni con el silencio.

© 2009 Maite Díaz

Maite Díaz expone en el Museo de Arte Moderno de Guatemala

MEMORIA PERCIBIDA se titula la exposición que reúne la obra de 16 mujeres artistas en el Museo de Arte Moderno de Guatemala.

La muestra se inauguró el pasado 10 de febrero a las 19h en los espacios de exposiciones de la institución guatemalteca y permanecerà abierta hasta el domingo 10 de marzo. Las creadoras estàn reunidas a partir de cuatro ciudades. Dos ciudades americanas, Guatemala y Miami y dos ciudades europeas Lisboa y Madrid. Un diàlogo e intercambio creativo de las dos orillas del Atlàntico. Ciudades marítimas, ciudades interiores. La ciudad como el territorio, “el país”desde el que se dibuja en la memoria.

La exposición intinerante serà inaugurada en Miami el próximo mes de mayo en el Centro Cultural Español de ésta ciudad. Esta institución española en la ciudad de Guatemala ha colaborado en la realización de la muestra y deseo agradecer su apoyo. La muestra viajarà después a Europa, primero a Lisboa y luego a Madrid.

“Hubo además un contacto constante con el Centro Cultural de Xilografía Portugués, en el que se llevó a cabo una selección de trabajos siendo escogidas Cristina Ataide, Joana Consiglieri, Alexandra Barbosa y Andreia Quelhas Lima. Asimismo, por Miami participan Ángela Valella, Jessica Gispert, Maite Díaz González y Adela González. Por Madrid interviene Isabel Muñoz, Mar Solís, Susana Guerrero, y Esther Villalobos. Guatemala está representada por las artistas Sandra Monterroso, Isabel Ruiz, Regina Prado de Batres y Lourdes de la Riva. A pesar de lo diverso que resulta la apreciación de los trabajos de las artistas sobre la reflexión de la memoria y su labor en distintos circuitos del arte, las une un denominador común, el interés por la gráfica. 

“El título de la muestra nos permitía dar entera libertad a las propuestas. Es decir que la reflexión de la memoria es muy personal. Cada individuo tiene una percepción propia con una memoria que incluso nos define como seres únicos que va construyendo nuestra personalidad, nuestra creatividad”, explica la coordinadora Esther Villalobos.

Obra expuesta de Maite Díaz González

Serie fotogràfica (2002-2009) SNOW DRAWING 01 trípitico fotogràfico

Artículos de prensa sobre la exposición

El Periódico de Guatemala

www.deGUATE.com

El parque

Parc du Château. Dammartin en Goële                             ©2009 Maite Díaz  

Atravieso el parque, la tierra ocre se sumerge y reaparece. Del camino blanco, los jardines recortados, los àrboles crucificados, el museo y los delirios de Van Gogh, todo va diluyéndose con el sonido del batir de las alas de los cuervos, al chirriar el tren de aterrizaje. Las cartas llegan blancas, frías. Las palabras se han ido cayendo de los bolsillos. Vuelvo a dibujar un camino, trato de empedrarlo, como las calellas del pueblo de mi abuela que huelen a madera de castaño en invierno. El humo es el signo que dibuja la ausencia, sube vertical, están bajas las nubes y apenas puedo distinguirlo. Vuelvo al camino, la curva blanca, se repite en el cielo. Los àrboles van creando el ritmo en el paisaje, sus puntas finas, como agujas, difuminan la línea del corte de la máquina en primavera. Tantas piedras encontradas y, las palabras se han perdido. 

©2009 Maite Díaz

Picasso y los maestros

Modigliani, Picasso y André Salmon

La exposición «Picasso y los maestros», en los espacios de exposiciones del Grand Palais, en París, es un viaje por la historia de la pintura a través de los cuadros de Picasso. Para esta muestra se han reunido obras del artista español y de los pintores que influyeron en su trabajo, los artistas con los que mantuvo un diálogo intenso, de admiración y aprendizaje. Picasso ha sido un artista controvertido, con detractores y admiradores fundamentalmente por su capacidad productiva. Su producción prolífica y cambiante le permitió romper con el canon del estilo a través de toda su infatigable carrera artística.

El Museo Picasso de París recoge una colección de piezas que reune todas las investigaciones creativas del artista, sus trabajos con el espacio tridimensional, la escultura modelada o construida a partir del ensamblaje de fragmentos y planos, sus experimentos matéricos, sus collages de objetos; una visión de su obra en toda su versatilidad y complejidad. Sin embargo, ésta exposición es un diálogo de Picasso con sus maestros pintores, un descubrimiento de sus pasiones de coleccionista, de sus conceptos pictóricos en relación a la historia de la representación en la pintura occidental. En la muestra se establece un diálogo entre sus obras y las piezas en las que se inspira.

“Yo, Picasso” 1901 Colección particular.  Retrato de El Greco

Comienza la primera sala dedicada a los AUTORRETRATOS. En ésta sala se reunen El Greco, Rembrandt, Goya, Cezanne, Gauguin y varios autorretratos suyos conocidos. En las obras de los viejos maestros la concentración, la luz dibuja misteriosamente hacia las sombras, nos perdemos en la oscuridad para despertar ante los bermellones poderosos de Gauguin y esa mirada irreverente que podría prefigurar a un Serge Gainsbourg, el parecido es asombroso. El de Goya es un cuadro tranquilo, el del Greco una atracción que nos sigue durante el recorrido de la sala, son mágicos los ojos, la pincelada corta, empastada, el aire de la figura, la sutileza de la inclinación del rostro. El cuadro que da nombre a la sala, «Yo, Picasso», de 1901, es un cuadro con la armonía complementaria de Gauguin, pero pintado con la fuerza de las pinturas negras de Goya, una pincelada plana, cuadrada, constructiva y también a golpes de espátula en los movimientos blancos de la manga de su camisa.

La segunda sala, MODELOS, presenta al centro copias en escayola de las grandes piezas de la escultura clásica de las colecciones del Louvre que han servido de modelos en las escuelas de arte del mundo entero. Se introduce aquí, su primera fuente de búsquedas en el estudio de la escultura griega, en un muro se presentan sus dibujos de estudiante. De éste período clásico, se exponen varias obras realizadas en esas atmósferas de tonos rosas, tierras, grises plata, tonos arenosos con los que construye sus figuras de inspiración clásica, influidas por el primitivismo del descubrimiento de la escultura ibérica en las salas del Museo del Louvre. Ésta representación sin profundidad nos ha dejado cuadros hermosos como el Desnudo de pie, Los adolescentes o “El joven conduciendo el caballo”, tres obras de 1906 , grandes formatos de tonos delicados, dibujos suaves y sugerentes en los que las figuras aparecen, se esconden, borran la pintura, se hacen fluidos sus contornos, chorrean líquidos espacios. Al centro de la sala, El triunfo del Dios Pan de Nicolàs Poussin. La celebración, el erotismo, la fertilidad dibujada en los cuerpos femeninos; la caza, la música, el vino, las frutas y las sombras del bosque, la fuente y alrededor toda una serie de obras representando cuerpos femeninos desnudos. Renoir y, a su lado, la « Grande Baigneuse » de 1921, de ojos desmesurados cuerpo rosa poderoso y un fondo verde plomizo que hace pesar aún más a la figura.

Saliendo de la sala «clásica», sobre el muro descansa una frase: « La enseñanza académica de la belleza es errónea (…) La belleza del Partenón, de las Venus, las Ninfas, los Narcisos son todas mentira. El arte no es la aplicación de un canon de belleza sino lo que el instinto y el cerebro pueden concebir independientemente del canon(…)

La sala dedicada al color se titula INDIGOMANÍA, el catálogo narra la anécdota de que los violetas y azules de Manet, fueron los primeros en crear escándalo en el Salón de 1881, luego, la reacción anti-impresionista ataca con violencia éste síntoma de la « indigomanía ». Picasso comienza su período azul, con esta idea de utilizar el color como manifiesto. Sus figuras se alargan siguiendo la influencia del Greco. Sus cuadros adquieren una atmósfera fúnebre; es la época en que su buen amigo Casagemas se suicida. Picasso pinta el Entierro de Casagemas siguiendo la influencia de la estructura compositiva de El sueño de Felipe II del Greco. Ésta obra es un óleo y tempera sobre tabla de 1570. En una composición simbólica representando la tierra y el cielo, se producen en el espacio del cuadro varias escenas simultáneas, su estructura compositiva es manierista prefigurando el barroco. Los planos celestiales y los abismos demoníacos, la representación de ángeles y demonios. El Entierro de Casagemas es un cuadro resuelto en tonos azules, un recorrido de personajes dolorosos sin rostro. El cuadro que domina la sala es una obra de gran formato, «La familia Soler». Aparece representada una familia, las figuras de una pareja y sus cuatro hijas. La influencia del aduanero Rousseau es visible en un cierto primitivismo. La estructura compositiva, la coloración y atmósfera bucólica de un verde profundo recuerda el Desayuno sobre la hierba de Manet. Goya aparece en una manera de sintetizar los rostros. Es un cuadro inquietante, único en la iconografía picassiana, resume los rasgos con el aire primitivo de Rousseau y un expresionismo quieto.

En la segunda sala dedicada al color se describe el encuentro de Picasso con la gran tradición española: el Greco, Murillo, Velàzquez, Zurbaràn, « la manière espagnole ». En el Museo de Orsay hace seis años, se expuso Manet-Velàzquez, una serie de obras maestras de la pintura española y francesa. La tesis de la muestra giraba en torno a la influencia de una tradición y de una estética española en la transformación de la pintura francesa en el siglo XIX. Un artista para comprender ésta influencia es Manet; el análisis de la obra de Manet, sus viajes a España, sus visitas a la colección en París del que fuera embajador de Francia en España y, sus cartas, la correspondencia que describe su admiración por la tradición pictórica española. San Francisco de Asís en su tumba, 1630-1634 de Zurbaràn. Es una resurrección, descalzo, su pie izquierdo asoma bajo la sotana, una imperceptible luz naranja dibuja sobre el oscuro y azulado suelo. La obra de Zurbaràn es misteriosa y sensual, es igual si representa un tema religioso, un grupo de objetos, un vaso de agua o la fragilidad de una flor. El rostro, bajo la capucha, se dibuja sutilmente entre sombras, su cabeza flota, la calavera como un cáliz entre sus manos, avanza. Los paños pesan, ondulan, sientes el calor y la suavidad de la materia. Ésta sensualidad, éste talento para describir con la materia, para componer y jugar con el espacio, su profundidad, su luz, subyugan a Picasso; es la misma narración del Joven mendigo de Murillo, 1645-1650, la luz en diagonal dibuja las piernas del niño o tornea el ànfora de barro. Una sobriedad, una economía y el trato cercano de lo real sin mistificaciones. La pintura española tiene esa concentración en el sujeto, en la que el paisaje, es un telón de fondo. El muro que comienza por la derecha con José de Ribera, que firma, «español» sobre el lomo del libro de su retrato de Demócrito, el retrato de Ambroise Vollard y una segunda obra del período cubista de Picasso, obras estructuradas, fragmentadas, llevando la mirada de la superficie a la profundidad del espacio. Cerrando el muro, el San Francisco de Zurbaràn, el resumen de ésta tradición de sobriedad, de concentración y gravedad, de atmósfera de tierras naturales y grises cálidos.

La sala TAROTS reune una serie de retratos presididos por el «Retrato del enano Sebastián de Morra» de Velàzquez, el bufón de mirada grave y cerrados puños. Según leo, Jacqueline en entrevista a Malraux, contaba que ésta serie de cuadros son los frutos de los estudios hechos por Picasso de los retratos de Rembrandt. Éstos personajes, realizados después de su convalecencia, a partir de 1966, según los estudiosos de su obra, son una reafirmación de su hispanidad. En éstos cuadros Picasso se autorretrata, vuelve a su juventud recupera su fuerza viril y su pasión. Hay toda una referencia literaria al siglo de oro en las referencias formales de gorgueras, sombreros, plumas, espadas, capas y a la vez una gran ironía, una síntesis mordaz, una burla sarcástica en el reconocimiento del tiempo que pasa inexorablemente.

VARIACIONES. Picasso y sus mujeres, Picasso y las mujeres de los otros pintores. La mujer es un tema recurrente en su obra y con el que recorremos también sus amores y sus pasiones. En éstas salas los curadores han reunido bajo el tema genérico de variaciones, sus diálogos con Delacroix a partir de la obra “Femmes d’Alger” de la que realiza estudios y varias obras entre 1954 y 1955. Sobre la elección de ésta obra por Picasso, se especula sobre el parecido de su mujer, Jacqueline Roque, con la argelina sentada de perfil en el cuadro. Es posible también definir ésta serie como un homenaje de Picasso a Matisse, a la intensidad luminosa del color del pintor francés, a la sensualidad y voluptuosidad del mito oriental, a sus odaliscas, de las que dirá a Kahnweiler recibirlas como herencia. El erotismo de Picasso es agresivo, desnuda a las mujeres, dibuja, pinta sus senos y realiza diferentes alusiones a formas fálicas en la composición.

El desnudo femenino, en una sala los cuadros de Goya, Tiziano, Ingres, La Maja Desnuda, las Venus y, las versiones de éstas obras. El desnudo para Picasso es la esencia misma de la pintura, de la materialidad de la representación. Critica a Rubens, su falta de realidad, su falta de precisión en la narración, dice Picasso: todo está pintado igual (en las obras de Rubens) un seno, un paño…Para Picasso la verdad pictórica es la creación de un signo que significaría el objeto, la pintura como un lenguaje, sin estilo, adaptándose a cada objeto, a la búsqueda de la palabra exacta para definirlo adquiriendo su sentido en la narración. En el tema variaciones llegamos a Manet, el más español de los pintores franceses. Español por elección estética, por su admiración de las colecciones de los pintores españoles en el Museo del Prado. Manet es «el pintor de la cita, el artista fundador de la modernidad». Se exponen las versiones casi escultóricas de Picasso del “Déjeuner sur l’herbe”. En el Salón de 1863, después de no ser aceptada, Manet la presenta al Salon des refusés desatando controversia y polémica por su atrevimiento, cien años más tarde Picasso realiza veintisiete cuadros y deja una frase escrita en un sobre en 1932 revelando su admiración y fascinación por éste cuadro:

«Cuando miro el Desayuno sobre la hierba de Manet, me digo que tendré dolores más tarde». Durante toda su vida volverá sobre los cuadros de Manet, La Olimpia, Lola de Valencia, Les Amoureux, trabajará sobre los cuadros o sobre fragmentos, detalles dibujados que guardan sus carnets. Una especial atención merecen sus estudios y versiones de Las Meninas realizadas durante seis meses de agosto a diciembre de 1957. Los personajes de las infantas se simplifican y reducen y Velàzquez crece, se estructura como un totem vertical que amenaza con escapar del cuadro, es una versión que recuerda al Guernica en su utilización de los grises, pero que conserva una estructura más estática dentro del formato cuadrado como en el original. Los signos gráficos se simplifican llegando a reducirse a dibujos simples e infantiles utilizando una paleta de colores primarios y luminosos. Picasso teatraliza la composición, recrea un retablo, un espacio de representación.

El tema de la guerra, las víctimas y los verdugos comienza en la década de los 60. Realiza una serie de cuadros inspirados en el tema histórico fundamentalmente a partir de dos obras que se conservan en el Museo del Louvre, «Le Massacre des Innocents de Poussin», realizado en 1625, un cuadro terrible que narra los sucesos de las masacres de recién nacidos ordenadas por Herodes. La composición encierra en una estructura triangular la escena principal, un hombre y una mujer luchan, sus rostros describen la violencia y la crueldad de la matanza. El hombre armado con una espada y con el pie sobre un recién nacido lucha con la madre desesperada por protegerlo. En la sala L’Enlèvement des Sabines y las versiones realizadas por Picasso.

Zurbaràn “El vaso de agua y la rosa sobre la bandeja de plata” 1630

NATURALEZAS MUERTAS. Una sala especial es la dedicada a las naturalezas muertas, los bodegones. Dos cuadros de Zurbaràn definen en su realismo la esencia pictórica picassiana, la que definía en sus entrevistas, la búsqueda del signo, de la palabra precisa. Zurbaràn no pinta, nombra las cosas, las crea en su materialidad pictórica. Expuesto el Agnus dei, siempre emocionante, junto a otras obras de Goya , Sánchez Cotán y de Picasso. Los objetos, los alimentos, las frutas, la carne, el vino, el agua, los huesos, los restos del sacrificio, la vida y la muerte, la representación de un ciclo. El misterio. He visto por primera vez un cuadro pequeño de Zurbaràn de treinta por veinte centímetros aproximadamente, se conserva en la National Gallery de Londres,  se titula:” Vaso de agua y rosa sobre bandeja de plata” pintado en 1630, su reproducción en el sitio web es de muy mala calidad, no es posible conformarse con la copia, ni con la realidad virtual, hay cosas que  siglos después existen y dialogan con nosotros. La pantalla, la fotografía numérica no son capaces de trasmitir la emoción, una vibración. Ya sé que suena a mística, pedirán que deje la poesía y coja el escalpelo. Lo más increíble es que ésta certeza de existencia la dibujan los objetos más banales, un espacio, la distancia entre los ojos y la superficie de Zurbaràn, la brevedad, como si la luz amenazara con apagarse, como si la imagen fuese un soplo.

“Picasso y los maestros”, es la historia de una larga conversación. La historia de la libertad creativa sin reglas de estilo o de mercado. Picasso supo mantenerse en la creación permanente y que su obra fuese un verdadero diario de su vida, de sus interrogantes creativas, de sus frustraciones y sus pasiones de coleccionista. Podemos preferir sus retratos de Olga, bañados de amor, majestuosos, detestar su Dora Maar llorando fragmentada, monstruosa. No permitió la prisión del canon ni que el mercado dictara su aventura, la prueba es éste paseo, de destrucción y reconstrucción constante.

©2009 Maite Díaz

En París, Paul Virilio y Gerard Depardon en la Fundación Cartier

“Donner la parole”, éste señor es uno de los entrevistados por Gerard Depardon. Es importante el testimonio de éste occitain, que habla en su lengua que ha desaparecido, aparecen testimonios europeos sobre el proceso cultural que significa la mundialización como un proceso de asimilación tan antiguo como la historia humana.

«TERRE NATALE ailleurs comme ici » es la exposición que presenta la Fundación Cartier en París. El edificio de la Fundación es una estructura transparente creación de Jean Nouvel, una fachada de cristales, que como espejos, se integran al paisaje urbano en el número 261, del boulevard Raspail, con un hermoso cedro del Libano a la entrada. De los edificios proyectados por Nouvel y que he recorrido, pienso que éste, discreto, es el más hermoso, acogedor por su ligereza, proporciones agradables y la integración de la naturaleza, los árboles y espacios verdes a la arquitectura.

La exposición plantea preguntas de interés en éste siglo y milenio que hemos comenzado. Siguiendo las estadísticas desde 1991, filósofos como Paul Virilio señalan una aceleración de sucesos que generan catástrofes y progresos dentro de una misma lógica dialéctica; ésta fue la idea de Hannah Arendt : «El progreso y la catástrofe son el verso y reverso de una misma medalla.» A partir de ésta idea, Paul Virilio organizó en el 2002, en éste mismo espacio, la exposición sobre «El Accidente» como elemento fundamental de la historia, el accidente como obra creativa. Virilio ha llegado a proponer la creación de un Museo del Accidente: «Exponer el accidente, todos los accidentes, desde el más banal al más trágico, de las catástrofes naturales a los accidentes industriales y científicos, pero además exponer también el accidente feliz, del golpe de suerte al flechazo. Exponer el accidente para no estar sólo expuestos al accidente.» Es éste el proyecto de la exposición «Ce qui arrive» y que se inspiraba también de la frase de Sigmund Freud, «La acumulación termina con la impresión de azar.»

La muestra se compone de cuatro instalaciones en las que dialogan Paul Virilio y Gerard Depardon. Un diálogo de confrontaciones. Entre las preocupaciones de Depardon, fotógrafo y cineasta, encontramos la idea de la relación poderosa con la tierra que tienen las personas que habitan el mundo rural y, con respecto a los planteamientos de Virilio, urbanista y filósofo, viajamos alrededor de la ciudad, del éxodo, en relación a los desplazamientos y a la velocidad.

A partir de éstas unidades extremas y complementarias, recorremos los discursos cinematográficos de Gerard Depardon que busca a los sobrevivientes de pueblos que han desaparecido asimilados, los Mapuches o los Kawésqar en Chile, los Chipaya y Quechuas en Bolivia, los Guaraníes o Yanomami en Brasil, la tribu Afar en Etiopía, además de las entrevistas a dos franceses, una bretona, residente en una isla del Atlántico que ha conservado su lengua materna y, un occitain, de un pequeño pueblo del sur de Francia que confiesa haber aprendido muy mal la lengua francesa. Los retratos monumentales, las voces de éstas personas nos cuentan sus historias familiares, personales, desde una pantalla gigantesca y unos planos próximos y cerrados que recogen toda la fuerza de sus testimonios. Las salas sin asientos, obligan a los numerosos espectadores a escuchar sentados en el suelo. «Donner la parole», así titula Depardon ésta serie de entrevistas.

Imagen de la entrevista a unas mujeres de la tribu etiope Afar en “Donner la parole” de Gerard Depardon.

Desde el mundo aislado de personas que han quedado fuera del movimiento del progreso, de la asimilación, de la globalización, escuchamos al Quechua boliviano hablar en su lengua materna, contar que debe venir a la ciudad porque no tiene trabajo, no tiene qué comer, y las únicas palabras que pronuncia en español son las palabras, cabras, vacas, ovejas. Depardon nos hace testigos de éstos desplazamientos marcados por los límites de la experiencia de sobrevivir y a su vez, de la misma etnia, una mujer se resiste a emigrar a la ciudad desde unas razones profundas de pertenencia a un espacio, a un paisaje inscrito en una geografía bien definida y a una conexión con una lengua y unas tradiciones. Dos mujeres Yanomami se preocupan por los ríos, por los peces de los ríos que nutren a sus hijos y por la llegada del hombre blanco y la destrucción de la selva.

De regreso, Depardon nos muestra en la segunda sala «Le tour du monde», su vuelta al mundo, solo, en 14 días y 7 escalas. Filma el mundo de la ciudad, de la velocidad, del stress de las mujeres que van a trabajar en Japón, la gente y sus teléfonos por la calle, el tráfico, los puentes de carreteras y calles que se superponen en las ciudades. Es un filme mudo, nadie cuenta su historia, son dos pantallas enormes instaladas en un ángulo de la sala oscura, simulando un diálogo a dos, en el que sólo se escucha el silencio y el ir y venir apresurado de la gran ciudad. Washington, Los Angeles, Honolulu, Tokyo, ciudad Hô Chi Minh, Singapur y Le Cap.

Instalación de Paul Virilio en el sótano de la Fundación Cartier,  al fondo el espacio circular donde se expone la segunda instalación  concebida por Virilio y realizada por el estudio multidisciplinar Dille Scofidio + Renfro, la obra multimedia es una visualización dinàmica en 360° sobre los movimientos migratorios y las consecuencias del calentamiento global

En los espacios del sótano Paul Virilio ha concebido sus dos instalaciones. Llegamos a un espacio que recrea una gran sala de espera, un hall de un gran aeropuerto o de una gran estación de trenes. Del techo cuelgan unas decenas de pantallas planas que reproducen imágenes de vídeos de archivo de telediarios, documentales y fotografías, todas imagenes reales, documentales sobre los movimientos importantes de poblaciones, campos de refugiados por razones climáticas o políticas, imágenes de los boat people vietnamitas, de los mexicanos filmados con cámaras infrarrojas atravesando las alambradas de la frontera.

Paul Virilio en una proyección a escala natural camina por un callejón adoquinado de una ciudad francesa y conversa con el espectador : «El sedentarismo y el nomadismo han cambiado de naturaleza. (…) El sedentario es aquel que se encuentra en casa en cualquier sitio, con el móvil, el ordenador, en el ascensor, en el avión o en el tren de alta velocidad. Éste es el sedentario. En cambio, el nómada es aquel que no se encuentra en casa en ningún sitio.»Para Virilio el siglo XXI será el de las grandes migraciones, 200 millones de personas estarán obligadas a desplazarse, a partir de ahora y hasta el 2050, por razones políticas debido a dictaduras, persecuciones, conflictos étnicos y territoriales. Luego de la espera en ésta suerte de sala de aeropuerto que ha diseñado Virilio, con la intención, supongo, de hacernos tomar conciencia -mirando los documentales-, que la condición nómada forzada o deseada ha sido la causa de una aceleración de conflictos y de catástrofes, que repercuten en el espacio urbano.

La pieza multimedia es una sala y una pantalla circular. Un planeta tierra gira en 360° alrededor nuestro, la imagen del planeta es nítida, en su doble movimiento de rotación y traslación se visualizan las capas de nubes alrededor de la tierra, es enorme, de unos dos metros de diámetro aproximadamente, se traslada de izquierda a derecha desvelando datos en relación a los movimientos migratorios. La pieza es un resumen de datos estadísticos, una serie de mapas, de planisferios que dibujan las migraciones urbanas, la densidad de la población en las ciudades, la falta de oportunidades en el campo y la concentración humana en los espacios de las ciudades cada vez más pobladas en los países desarrollados, Virilio ofrece la estadística de que para el 2015, 48 de las grandes ciudades que crecen más rápidamente se encuentran en el hemisferio sur.

La segunda muestra es sobre la inmigración, los flujos de hombres y dinero. 60 países en vías de desarrollo reciben remesas desde 12 países desarrollados, la media es de 160 euros mensuales por envío, la suma es de 240 mil millones en concepto de remesas. Hay una banda de banderas de los países del primer mundo de un tamaño mayor arriba y, abajo, otra banda de las banderas de los países en vías de desarrollo, informàticamente se dibujan los flujos monetarios en conceptos de remesas que van de los emigrantes en el primer mundo, a sus familias, la cantidad es tres veces las cifras de lo que supone la ayuda internacional a esos países. Gràficamente la bandera europea, americana o canadiense se contamina con barras digitales de pixels de los colores de las banderas de los pequeños países, cada pixel corresponde a 10 emigrantes o refugiados. Después de todos estos datos, se traza un «ecuador económico» entre el norte y el sur que comienza en el sur de Rusia, en la Siberia, y va bordeando el territorio hasta Turquía, entra Israel, la costa sur mediterrànea y costa norte de África, América del Norte bordeando la Florida, la frontera mexicana y en el Pacífico incluyendo a Australia y Japón. En las estadísticas sobre las remesas no aparecen datos sobre Cuba, siendo uno de los países con una comunidad en el exilio importante que corresponde a un 10% de su población y, es conocida la importancia de éstos ingresos en la economía de la población cubana, en «terre natale.»América aparece como un continente más estable. No leí informaciones sobre los desplazamientos desde Venezuela, Cuba, sólo Colombia apareció como emisor de refugiados hacia los Estados Unidos.
La tercera muestra de datos corresponde a los refugiados políticos y a las migraciones forzadas, desplazamientos internos en los países, refugiados, demandadores de asilo. Las estadísticas describen las incidencias de éstos viajes, las negativas de asilo, las deportaciones a las fronteras. El continente más convulso es el centro de África, y la zona de Irak, Myanmar, éstos territorios han producido éxodos, en el caso de Irak, de más de 1 millón de personas. Tampoco sobre Cuba y sus estadísticas pude encontrar ningún dato.
La cuarta presentación resume las catàstrofes naturales que han aumentado desde el año 2000. Los desplazamientos de las poblaciones por causa de inundaciones son màs frecuentes en el hemisferio sur que en el hemisferio norte. Y, por último, la quinta muestra estadística hace referencia a las variaciones de los niveles del mar. Los mares, de aquí a 2100, se supone aumentaran su volumen y, como consecuencia, desaparecerán sumergidas las ciudades que se encuentran en las costas, aquí apareció La Habana, éstas ciudades «serán las primeras víctimas del calentamiento global aunque a menudo son las menos responsables», termina con éste juicio y asignación de responsabilidades la presentación de ésta pieza.

En los vídeos expresa su idea y la variación que tendrà el concepto de frontera. La frontera, el muro.Las fronteras naturales determinadas por las fronteras geográficas, por lo límites geográficos, Virilio dice, «…el mar pertenece a todo el mundo, pero la noción de límite, de muro define una identidad, hay muros necesarios. Nuestro límite corporal es nuestra frontera, nuestra magnitud, no hay realidad sin magnitud. El muro puede servir para identificar o para excluir. La gran frontera será la frontera continental, la subida de los niveles del mar eliminará las fronteras naturales.» En sus ideas Paul Virilio cuestiona el mundo de las nuevas tecnologías, la velocidad como expresión del Poder, la necesidad de un compromiso de lucidez desde el que no niega la tecnología, pero exige una visión crítica de ésta y de los cambios que está estableciendo en las conductas humanas, en las relaciones sociales y en la relación del hombre con el paisaje y con la naturaleza.

«Parce que moi j’ai la nostalgie de l’ampleur du monde, de sa grandeur.» Paul Virilio.

©2009 Maite Díaz 

Peter Knapp y la dirección artística

Peter Knapp, Angelo Cirimele y Michel Mallard en la Galerie Anatome     ©2009 Maite Díaz

KNAPP/MALLARD /CIRIMELE

¿La publicación de autor existe? La creación gràfica y la transmisión de la información. La fotografía de Moda y las revistas femeninas. La proliferación de publicaciones, la calidad visual y de contenido. Conferencia en la Galerie Anatome sobre la edición de prensa femenina en París

Cae la tarde de invierno, París lluvioso y húmedo, la lluvia es fina, invisible, los charcos y las luces de noche en la Bastille. Para llegar a la galería Anatome, subo por el boulevard hasta la rue Sedaine, a ambos lados de la calle se suceden los almacenes de prêt-à-porter, son tiendas de mayoristas, la venta al detalle està prohibida. La ropa es horrible, no sé cómo funciona éste comercio, todos los dueños son chinos. La iluminación con tubos de neón, y los dorados budas, barrigones, situados en cada tienda de frente a las puertas son los únicos que sonríen.Voy andando y mirando éstas vidrieras terroríficas, hay horror frívolo también en las calles de París. A las siete de la tarde comenzarà una conferencia que reunirà a dos directores artísticos que han trabajado para revistas de moda en París, para las revistas màs elegantes e innovadoras. Durante el encuentro estableceràn un diàlogo sobre sus experiencias creativas.

 Los invitados  a la conferencia son, Peter Knapp, director artístico que comenzó a los veinticuatro años en las Galerías Lafayette, luego trabajó de 1960 a 1966 para la revista ELLE y otras publicaciones parisinas y casas de edición. La exposición sobre su trabajo renovador en la prensa de moda puede visitarse hasta el 14 de febrero en los espacios de la galería.

El segundo director artístico es Michel Mallard, ha trabajado con diferentes publicaciones de moda rehaciendo las maquetas de VOGUE homme international, JALOUSE, L’OFFICIEL, BIBA y creó Colors pour Benetton. Como animador de la conversación estarà Angelo Cirimele, filósofo de formación, es el editor y redactor jefe de MAGAZINE revista en la que cada número es concebido y maquetado por un director artístico diferente. Colaborador de diferentes revistas independientes, 101, Prétextes, Don Quichotte, Vendredi, es ademàs crítico de cine para France Culture y Nova Magazine.

 La galería Anatome a las seis de la tarde està vacía, aprovecho para volver a ver la exposición sobre Peter Knapp, hojear nuevamente los números preciosos de ELLE, realizados en blanco y negro y en la planta superior ver en detalle la joya editorial de su libro sobre Giacometti, para el que realizara también las fotos. De fondo la música de presentación del programa DIM, DAM, DOM que resume toda una época, Gainsbourg que canta Elisa, Elisa, Elisa saute moi au cou, Elisa, Elisa, Elisa cherche moi des poux… Angelo Cirimele ha llegado temprano y recorre las obras antes del conversatorio. Bajo pocos minutos antes y la sala està repleta, profesionales y jóvenes estudiantes de diseño gràfico fundamentalmente. Logro quedarme de pie bastante cerca de los invitados, la puerta està abierta y hay personas que escuchan desde el patio interior, entre el pequeño bosque de bambues. Peter Knapp es un monumento del grafismo europeo, Mallard es un joven que comenzó editando entre tres amigos una revista que realizaban en una cave (sótano) en París.

Peter Knapp es suizo, tiene 78 años, es un hombre delgado, habla pausadamente con el característico acento suizo, sus respuestas son reflexivas, buscando la palabra exacta para expresar sus ideas. Mallard nació a fines de los 60, es mexicano de origen, expansivo, habla ràpido y haciendo chistes y anécdotas todo el rato. La conferencia comienza, estàn de pie los tres y al fondo en una pantalla proyectan realizaciones gràficas de Mallard.

La primera pregunta que hace Angelo Cirimele a Knapp es sobre el grafismo suizo, sus características, qué lo diferencia del resto del grafismo europeo. Knapp como aclaración primera responde que el grafismo suizo no lo inventaron los suizos. A Suiza emigraron todos los artistas y profesores de la Bauhaus huyendo del nazismo y Knapp estudió en Zurich con Johannes Ittem entre otros profesores. Hay una razón pràctica, los diseñadores suizos siempre han estado confrontados a tres lenguas diferentes, francés, alemàn e italiano, con extensiones diferentes en el tamaño de los bloques de texto, esto ya conforma una estructura de tres columnas y un gusto por lo asimétrico. Mientras en el mundo visual gràfico latino los caracteres sérif eran privilegiados, para los suizos y alemanes los caracteres sans sérif tuvieron màs aceptación. Estas características pràcticas han dado forma a un estilo de organizar la información.

Angelo Cirimele les pregunta sobre asuntos generales entorno a la experiencia de trabajo, los medios, el tiempo de creación, la relación del equipo de trabajo, la relación con el redactor jefe, la función del contenido en una revista y la relación de lo visual en la concepción. La función de la tipografía y la fotografía. Las opiniones sobre la gràfica que se realiza actualmente en la edición de la prensa femenina. En las paredes estàn montadas varias pàginas dobles, Peter Knapp recuenta su trabajo, él va a trabajar a ELLE porque Hélène Lazareff a su regreso de New York, donde había pasado la guerra, decide crear una revista femenina, con un concepto visual de vanguardia que trae aprendido de su época de trabajo con Brodovitch en Harper’s Bazar. La complicidad entre la redactora jefe y el director artístico privilegian una publicación en la que el contenido, su calidad, marcarà la pauta y lo visual funcionarà como un cincuenta porciento del valor general de la revista. Knapp define que una revista es un objeto que debe seducir, debe estar concebida como un buen espectàculo, sorprender, donner l’envie de feuilleter, de detenerse en sus pàginas para leer y para disfrutar, ademàs debe ser imprevisible, cambiar, jugar con los ritmos, con el movimiento.

En los años 60 existían aproximadamente 9 revistas en París, hoy se editan 159, la competencia y la proliferación han creado una sensación de ahogo, de repetición. Peter Knapp rotundo define, en aquella época había ideales y teníamos dinero, había con qué sufragar un equipo creativo de 20 personas, no existían los ordenadores todo se hacía a mano. Knapp cuenta que él no entregaba una maqueta rigurosa a sus maquetistas, había un espíritu y él dejaba la libertad creativa a sus diseñadores maquetadores para crear en cada doble un evento gràfico, eso sí, era riguroso y exigente seleccionando a su equipo. La tipografía se dibujaba a mano o se ampliaba por métodos fotográficos. Se disponía de tiempo, ahora ese sentido reflexivo, inteligente, se ha perdido, funcionamos en la velocidad y, para realizar creaciones como éstas, nos dice, señalando al muro, hace falta tiempo. Sus juicios sobre la fotografía definen también dos épocas, en su opinión el hecho de que las modelos hayan devenido estrellas ha sido algo negativo para las revistas de moda. Antes la modelo y el fotógrafo mantenían una complicidad que se ve en las fotos, el fotógrafo pasaba tiempo para realizar una serie de imàgenes y seleccionar después, en opinión de Peter Knapp, hoy, las fotos de moda son hechas por los estilistas de moda, no por la sensibilidad de un fotógrafo.

Escucho cierta melancolía en sus ideas, una añoranza por los tiempos de reflexión sobre el papel, del trabajo con las herramientas que conectan las ideas y la sensualidad de un trazo. Una profesora le pide que describa la importancia de ésa etapa antes del ordenador, antes de pasar a la realización, la necesidad  del trabajo de complicidad con el papel, con el objeto que ofrece otra aproximación, otra relación. Knapp se vuelve al muro y muestra les chemin de fer y explica que hoy es imposible no visualizar sobre papel la suite de las pàginas dobles que conforman una revista, es necesario el trabajo en la mesa para tener una visión del conjunto.

Luego a petición de Angelo, Peter Knapp narra la anécdota de la lectrice suivie de la revista ELLE. La revista tenía personas encargadas de analizar el comportamiento de las lectoras, (esto parece una pieza de Sophie Calle). Un hombre, el perseguidor encuestador, acecha en un quiosko de la Gare du Nord, a la espera de una lectora de ELLE, llega la primera, compra la revista y se dirige hacia los andenes de los trenes que van hacia el norte. Monta en un tren que va en dirección a Bruselas. Suben al vagón, el perseguidor encuestador se sienta en diagonal a la lectora y la observa, cronometra el tiempo  que emplea en hojear la revista, una hora aproximadamente y una media hora de lectura. Llegan a destino, bajan en Bruselas. El encuestador, le pregunta a la señora si le regalaría la revista o si se la vendería pues ya ha terminado la lectura. La lectora le responde que no ha terminado de mirar la revista y que de ninguna manera se la vendería. Knapp concluye que una revista debe seducir y dejar la sensación del deseo, la posibilidad de continuar el disfrute. Ademàs añade otra anécdota concerniente a la redactora jefe de ELLE que tenía para la revista una lectora profesional que leía todo, si el tiempo de lectura era menor de una hora, Hélène Lazareff introducía màs contenido en el número de la revista.

 Mallard muy simpàtico contó sus experiencias en Francia, comenzó con la anécdota típica del artista que llega con sus books y llama a todas las puertas y nadie le hace caso. Michel Mallard comenzó en un sótano creando un proyecto de revista, luego la buena estrella le fue proporcionando encuentros y comenzó sobre todo a rehacer revistas conocidas. Explicó el mundo profesional polivalente de los diseñadores franceses en oposición a la especialización rigurosa de los Estados Unidos. Durante un viaje a  New York visitó varios estudios donde se realizan diferentes revistas. Todo està bien definido, existen los maquetistas creativos que trabajan la creación con texto falso y luego los maquetistas que emplanan definitivamente, una especialista que va verificando todos los pantones es la encargada del color, un director tipogràfico encargado de la unidad tipogràfica del conjunto, en fin, resume Mallard, yo les dije que nosotros somos màs fuertes porque lo hacemos todo y muchas veces en condiciones bastante difíciles.

Cuando las condiciones creativas cambiaron en la revista ELLE, Peter Knapp abandonó y trabajó entonces para la edición de libros, continuó su trabajo personal creativo como fotógrafo y se ha dedicado también a la enseñanza, su balance de las publicaciones de revistas de moda no es muy positivo en la actualidad, elogió el trabajo de Angelo Cirimele para la revista MAGAZINE como el proyecto editorial màs interesante en éste género actualmente en París.

© 2008 Maite Díaz 

Peter Knapp en la Galerie Anatome

Peter Knapp a la entrada de la Galerie Anatome. Foto Galería Anatome

PARIS DESIGN

La galería Anatome es el único espacio de exposiciones en París especializado en diseño gràfico. Lo descubrí hace algunos años, visitarlo es una sorpresa agradable, una cita sorprendente, de sus muros cuelgan siempre imàgenes gràficas seleccionadas con gran cuidado y expuestas con la mayor simplicidad, es un espacio protegido, un punto luminoso, escondido en un patio interior, rodeado de bambues que cubren la fachada del antiguo atelier reconvertido en galería.

El espacio entre semana puede darnos la alegría de disfrutar de una exposición magnífica sin el trasiego de visitantes que encontramos en los museos, o en las galerías de arte contemporàneo màs a la moda. Entrar a la galería Anatome implica, un poco, el acto de un ritual secreto, o el acceso a un lugar selecto, protegido y a la vez cercano. Abrimos una puerta, como podría ser la puerta de casa y, en el interior, los misterios de lo impreso, los objetos impresos… de la edición, de la prensa, de las grandes revistas, de los afiches, libros, catàlogos proyectos y las grandes ediciones de arte, de las imàgenes y de las palabras, esas materias del tiempo.

Esta vez el encuentro es con un conocido, hace dos años estuve en una conferencia en la Maison Européenne de la Photographie que reunió a editores, fotógrafos y directores artísticos conversando en torno al tema de la maquetación de la fotografía, la mise en page, la mise en scéne de las imàgenes fotogràficas en diferentes objetos:  libros, revistas, anuncios de prensa, allí descubrí a Peter Knapp, el pionero de los Art Director parisinos, un excelente diseñador que es ademàs un excelente fotógrafo, un creador amante de la imagen y del signo tipogràfico, de las mujeres y de las palabras. Un apasionado del espacio bidimensional como representación, lo que le ha llevado durante toda su vida a experimentar y expresarse con todos los medios, desde el dibujo, la pintura, el diseño gràfico, la fotografía, la concepción cinematográfica realizando cortos sobre la moda y emisiones de televisión en los años 60 como el programa DIM, DAM, DOM que revolucionaron la concepción documental, gracias a “la utilización de sus planos cortos, sus movimientos ràpidos de la càmara aportando una nueva línea visual, transformando los desfiles televisados de las presentaciones de las colecciones de prêt-à-porter en acontecimientos mediàticos.” La càmara se acerca, acaricia, fragmenta la imagen y describe con precisión el movimiento, ofrece la posibilidad de la libertad, esa nueva mirada que trae Peter Knapp y que revolucionarà la revista ELLE en la que trabajarà como director artístico de 1960 a 1966.

Realiza sus propias imàgenes y una gran cualidad y calidad de Knapp «como orquestador», es saber rodearse de un equipo creativo y renovador, así colaboran con él los mejores fotógrafos, desde una óptica en la que, « la manera de estar de las modelos es tan imporante como los diseños que muestran »

La revista ELLE se transforma y se convierte en ‘la publicación màs leída en el mundo’, màs que una revista de moda se convierte en un suceso cultural, « publican críticas literarias, teatrales, cinematogràficas, crónicas sociales y culturales, reportajes, biografías y consejos pràcticos ». En la sala baja de la galería Anatome, se exponen en libre acceso, para ser hojeadas, ediciones de los números de ELLE de los años 60 en los que, cada doble pàgina, es pensada como una pieza gràfica, Peter Knapp rompe con la idea suiza de una maqueta rígida y geométrica y entra a experimentar con las ilustraciones, fotografías, los títulos creando elegantes bloques de texto e imagen, el signo gràfico, tipogràfico invade la pàgina y se convierte en sujeto en el espacio, leo sobre el muro:« las palabras imàgenes florecen en los títulos »

Hay una gran luminosidad, la joie de vivre en ésta explosión creativa, en ésta renovación constante en la que, como premisa, Knapp se plantea a cada nuevo tema una nueva familia tipogràfica, la letra es, la materia con la que se expresan los sueños.

Lo màs sorprendente de la muestra son las planchas, (les chemin de fer), los papeles de màs de dos metros de altura en los que, en viñetas dibujadas a làpiz y a la acuarela, Peter Knapp organiza las maquetas, las pàginas dobles de la revista que alcanza las trescientas y tantas pàginas, un trabajo de orfebre, de miniaturista oriental definiendo con cada pequeño gesto el ambiente gràfico de cada emplane. Todo cuidado, el màs mínimo detalle en referencia al ritmo, al espacio, a la concepción gràfica de cada doble pàgina como una composición plàstica dotada de una energía y personalidad propias. No en vano su trabajo se verà recompensado por 17 medallas de oro otorgadas por el ART DIRECTOR’S CLUB.

La redactora en jefe Hélène Lazareff enferma y deja la dirección en 1966, los nuevos directores deciden que tener 20 personas para la realización de la revista es una pérdida de beneficios, no compartiendo ésta nueva concepción, Peter Knapp abandona ELLE para regresar años màs tarde de 1974 a 1977 tras la petición de la nueva redactora jefe, antigua periodista de los tiempos creativos, Daisy de Galard. Su trabajo es difícil de resumir en una columna, trabaja para la edición de arte en colaboración con los editores André Saurte y Raymond Lévy; la edición de GIACOMETTI para el que realiza ademàs las fotografías, es premiado mejor libro de arte del año 1991, sus búsquedas tipogràficas aparecen en las ediciones de la colección  CONTEMPORAINS  que edita el Centre Pompidou en la década de los 80.

Sus  ideas acerca de los proyectos gràficos se resumen en tres palabras que son “las lecciones de su trabajo inicial : movimiento, modernidad y conjunto interdisciplinario.”

Su talento para la concepción gràfica, aporta  riqueza y versatilidad desde el punto de vista plàstico, gracias a sus estudios de bellas artes en París y a sus pràcticas de la pintura y la fotografía. A todo el rigor suizo aprendido a fines de los años cuarenta en la KUNSTGAWERBESCHULE de Zurich, dirigida por Johannes Itten, profesor de la BAUHAUS, Peter Knapp añade, sintetizando, rigor y fantasía, rigidez geométrica y fluidez de movimiento. Sus capacidades creativas se han expresado en la prensa, la edición y la publicidad. Su mirada y su talento han concebido la armonía, el equilibrio y han contribuido a modelar nuestro mundo visual, nuestros valores estéticos en relación a la prensa. Sus creaciones se han convertido en bienes públicos portadores de belleza, serenidad, elegancia y progreso.

©2008 Maite Díaz

   Texto e imàgenes fotogràficas

Viajando con el Bosco y con Google earth (I)

El Jardín de las delicias es un tríptico pintado al óleo sobre tabla, sus dimensiones son  de 206 x 386 cm, se calcula fue realizado a finales del siglo XV por el pintor flamenco Hieronymus Bosch (1450-1516) pasó a formar parte de las colecciones del rey de España Felipe II, se conserva en el Museo del Prado en  Madrid

La palabra alma en relación con las obras de arte, tiene connotaciones religiosas heredadas de la época en que el arte, pero sobre todo la experiencia de la contemplación se efectuaba en las iglesias. La invención de la propaganda està relacionada a la religión, fue la Iglesia la institución que subvencionó el trabajo de los artistas durante siglos utilizando los muros, vidrieras y esculturas para narrar las historias biblícas y acercarlas a la gente que no sabía leer, cumpliendo una doble función, estética e ideológica.

En España, durante el período barroco, la hiperrealidad legó toda la imaginería escultórica religiosa, se realizaron piezas a tamaño natural policromadas, patinadas, con cabellos naturales y con ojos y làgrimas de cristal, éstas imàgenes en las procesiones, con la iluminación de los cirios difuminaban la frontera entre lo real y lo irreal.

De éstas experiencias podríamos especular que,  la hiperrealidad y el fanatismo religioso tendrían alguna relación en cuanto a la representación de la encarnación y de la resurrección. Beaudrillard hablaba en su libro «De la seducción» sobre la hiperrealidad del sexo refiriéndose a la pornografía y a la exaltación del detalle como un efecto inverso a la sensualidad; o la hiperrealidad del sonido de alta fidelidad para escuchar la música barroca originalmente escrita para la acústica de las iglesias góticas. La ciencia y la tecnología no terminan de sorprendernos con las posibilidades de visualización y de reproducción de la realidad.

El Museo del Prado en Google earth

Leo en el blog El Mundo por dentro, que Google ha fotografiado y digitalizado catorce obras maestras de las colecciones del Museo del Prado, éstas, podràn consultarse libremente con Google earth.El detalle de éstas fotos, es increíble, para los restauradores es una base de datos de gran nitidez a sólo un clic y que ademàs protege las obras. Las condiciones de iluminación para realizar éstas fotos son imposibles en las salas de los museos por las medidas especiales necesarias para la protección de las obras, siempre las vemos en penumbras y con los colores apagados. Las grandes obras podràn analizarse desde la pantalla de un ordenador. Pienso en las conferencias de Historia del Arte cuando daba clases en el centro superior pedagógico en el año 1987 y 1988 en La Habana, para ilustrarlas, solicitaba las diapositivas del departamento de arte de la Biblioteca Nacional, no siempre de buena calidad. Con éste maravilloso archivo, los departamentos de arte de las universidades del mundo accederàn a obras maestras que podràn ser comentadas y estudiadas en detalle con reproduciones excelentes para el estudio de las técnicas pictóricas de los artistas.

Esta posibilidad digital de «contemplación» no necesariamente terminarà con el ritual de la visita al Museo, los museos occidentales que han desplazado a las grandes catedrales. La visita es también la posibilidad de una visión de conjunto de la obra de un pintor, una cita individual pero también social, como leer el periódico en un café viendo la gente pasar, conversando, cuestionando lo que vemos, intercambiando impresiones. La tecnología digital vendría a proponernos la desmaterialización, “la desaparición” del cuadro a cambio de su visión fragmentada, hiperreal o como la polémica que se establece en torno a la prensa  a la desaparición de los periódicos, a la desaparición del objeto que implica el ritual. Estaríamos ante nuevas formas de relacionarnos, de acceder al conocimiento. De momento es fascinante el viaje con Google earth a ras de las pinceladas de Velàzquez, pero quedarse a solas en una sala, con sólo uno de sus formidables retratos, entrar en “su espacio”, seguirà siendo una experiencia única y seductora.

Esta nueva forma de viajar por la superficie del cuadro podrà depararnos grandes sorpresas y aventuras, pongamos un paseo en la luminosa pantalla por el Jardín de las Delicias con Google earth, un viaje en detalle, del paraíso al infierno imaginado a finales del siglo XV y contemplado desde la óptica de los millones de píxeles, de las poderosas luces de las làmparas de tungsteno, adentràndonos medio milenio después, en el micromundo de la fauna y el bestiario del Bosco. 

© 2008 Maite Díaz

Jacques Prévert, Paris la belle

Paris. Crónica de exposición.

Fotografía de Robert Doisneau. Prévert en los jardines de Luxemburgo.

Exposición JACQUES PRÉVERT, PARIS LA BELLE. 

Para los que viajen a Paris éstas navidades hay una cita ineludible con la ciudad y con uno de sus mejores narradores del siglo XX, Jacques Prévert. La Alcaldía de París, organiza en sus espacios de exposiciones, una muestra monogràfica -titulada como una de sus películas de 1959-, PARIS LA BELLE sobre la vida y la inclasificable obra de Prévert. La entrada es gratuita, y podrá visitarse hasta el 28 de febrero del 2009.

La estructura museográfica consta de ocho capítulos en la narración de su obra y su vida. La primera sala comienza con su nacimiento en 1900, en Neuilly-sur-Seine y su infancia en el barrio latino en los alrededores del Jardín de Luxemburgo. El diseño del espacio nos permite recorrer por temas los grandes ejes seleccionados por los comisarios de la exposición, como si estuviéramos recorriendo la ciudad de Paris y la vida de Prévert poeta, dramaturgo, cineasta, hacedor de maravillosos collages, su relación con la música, el cine, la pintura y la fotografía. Un iconoclasta, un espíritu libre, un creador imposible de encorsetar en las categorías tan socorridas por críticos y comisarios. Recorriendo su vida conversamos con un hombre generoso que no se privó de vivir y de magnificar las pequeñas cosas, y a la gente común de la calle.
En la primera parte se documentan sus primeros años con una serie de fotografías de comienzos del siglo XX, sus padres, sus hermanos y sus grandes ojos de rêveur. A los 15 años deja la escuela y comienza a trabajar de manera inestable. En 1920, terminada la guerra realiza el servicio militar donde conoce al pintor Ives Tanguy y comenzarà la andadura juntos hasta formar parte del grupo surrealista.

EL SURREALISMO, Rue du Château
En 1924 Marcel Duhamel alquila una casa en el número 54 de la Rue du Château, en Montparnasse. Duhamel es cinesta, editor y administra un hotel en Paris, serà el primer mecenas y amigo. En éste espacio, que se convertirà en cita obligada de la vanguardia francesa y del grupo surrealista, se encuentran Robert Desnos, André Breton, Aragon, Benjamin Péret, y se instalan Jacques, Pierre, -su hermano- y el pintor Ives Tanguy que según cuentan en la entrevista pintaba y tenía en un armario todo recogido y organizado. En el documental donde conversan los tres, aparece un cuadro hermoso de Ives Tanguy dibujando una calle, los muros de la Santé, -la prisión de Paris-, y algunas fotos en uniforme militar de Jacques y Tanguy. Prévert riendo, nos dice : «-y estaba yo, que no hacía nada, màs que hablar.» En sus irreverentes y provocadores discursos elogia « l’amour fou » y el poder de los sueños. El nombre de « cadavre exquis » que define el dibujo o poema colectivo « surrealista » y que resume la acción colectiva de liberación del inconciente, es fruto de su imaginación. Sus diferencias con Breton las salda escribiendo un panfleto contra el autoritarismo intelectual de Breton que serà publicado con el título de UN CADAVRE. Esta parte la cierra un corto maravilloso de 4’minutos de duración, un film silente titulado Paris express ou souvenir de Paris, en el que aparece la casa en que vivían con el rótulo « Au Château tremblant ». En el film realizado por Jacques y Pierre Prévert y Marcel Duhamel las imàgenes son del París de los años veinte, un recorrido por los jardines de las Tullerías, los niños de la burguesía parisien paseando a lomo de burros, las calles, los libreros de las orillas del Sena, los personajes de Montparnasse, para finalizar aparece Jacques en la ventana, mientras un tren llega vaporosamente a velocidad en paralelo al cierre de las ventanas, es una imagen sugerente en la que intervienen el hombre y la màquina en un diàlogo visual entre un tren elevado y Jacques que se asoma con una mujer a la ventana de un primer piso y la cierra.

EL GRUPO OCTUBRE, TEATRO Y POLÍTICA
En los años treinta después de su distanciamiento del grupo surrealista, se enrola en la aventura teatral con el grupo OCTUBRE 30, escribe piezas contestarias, d’agit prop. Interviene activamente en política entre 1932-36, realiza sketches y obras para los grupos sindicalistas y obreros que se declaran en huelga y participa en la Olimpiada de teatro revolucionario que lo lleva a viajar a la Unión Soviética. En la exposición se recogen muchos documentos de ésta época, affiches, manuscritos y fotografías del viaje en barco a la olimpiada teatral. Su sensibilidad política, la insatisfacción permanente y su espíritu de insubordinación, creativo y elegante lo llevan a cambiar siempre buscando la libertad como premisa indispensable para su vida y su obra.

EL CINE
Sobre el muro leo una frase que le define : « Es fatigante el cine. Ademàs me gusta cambiar. Un día cine, otro canciones, otro día libros ». En la década de los treinta, su trabajo como guionista y escritor de diálogos es reconocido. Durante su etapa teatral había conocido al cineasta Marcel Carné con el que colaborará durante diez años creando un nuevo estilo cinematográfico el « realismo poético » pero que Carné define màs bien como un estilo « fantàstico social ». La sensibilidad coloquial de Prévert, sus experiencias de paseante despierto, atento a la poesía de la calle,a la poesía de la simplicidad y la profundidad. De éste período son las obras Drôle de drame, Le Quai des brumes, Le jour se léve, Les visteurs du soir, Les enfants du paradis y Las puertas de la noche.
Su aproximación a la narración cinematográfica poética ha dejado huella en los cineastas de hoy como Jean-Pierre Jeunet, director de « El Fabuloso Destino de Amélie Poulain » (2001). En entrevista para el número especial de Beaux Arts magazine, narra su descubrimiento de la poesía de Prévert que le acompaña siempre, y cómo busca inspiración y soluciones cinematogràficas a sus escenas leyendo a Prévert. Para el filme el Long Dimanche de fiançailles hay una escena con cerillas. Después de la filmación Jean-Pierre Jeunet se preguntó si Prévert no habría escrito un poema a les allumettes y buscando encontró éste :

« Trois allumettes une à une allumés dans la nuit
La première pour voir ton visage tout entier
La seconde pour voir tes yeux
La dernière pour voir ta bouche
Et la obscurité toute entière pour me rappeler tout cela
En te serrant dans mes bras »

Prévert le había escrito la última escena de su film, y Jean-Pierre Jeunet confiesa con admiración: « Era alucinante no había hecho màs que retomar, creyendo que la había inventado »

En éste espacio dedicado al cine descubrimos al creador integral, dibujante, escritor, en las pàginas de rígidas cuadrículas pequeñas, disfrutamos su letra menuda, en las que, una misma línea de una frase aparece junto a dibujos pequeños, su pensamiento discurre entre la palabra y la imagen para escribir un guión, grafismos simpàticos flores, paraguas, remolinos, flechas, corazones rojos y azules un mundo escrito gràficamente, en sus autógrafos encontramos el humor y los signos o las frases dibujadas. Esta vocación gràfica lo lleva a colaborar también con ilustradores en proyectos de literatura infantil. La sala proyecta fragmentos de su filmografía y nos descubre su proceso creativo de la escritura cinematogràfica, ademàs de los affiches de cine en los que aparecen las grandes estrellas de la época, Arletty, la Morgan, Jean Gabin.

Ives Montand canta la canción de Prévert « Les Feuilles Mortes » en el Olimpia en Paris

PALABRAS Y MÚSICA
En 1946 se publica PAROLES y dibuja una hermosa acuarela para la caràtula del disco de la edición alemana de sus canciones. Aquí nos detenemos, la portada francesa de Paroles es una foto de un graffiti del fotógrafo de origen húngaro, parisino de adopción y su gran amigo, Brassai, la imagen es un muro escrito, marcado de signos de poesía urbana es la elección de Jacques Prévert para la edición de sus canciones, la poesía en la que se mezclan las palabras y los signos gràficos, el dibujo incisivo sobre el muro, el grito o el susurro tierno y sensual. Imposible seguir sin disfrutar de la versión de Ives Montand de « Les cireurs de souliers de Broadway », Montand, de negro, canta con todo su cuerpo, su figura se proyecta en una sombra que deshoja las palabras de Prévert, en otra pantalla Juliette Greco canta su versión de « Les Feuilles Mortes » .El gran éxito de la edición de Paroles lo convierten junto a Jean-Paul Satre, Simone de Beauvoir y Boris Vian en una de las grandes figuras intelectuales de Saint Germain-des-Près.

FOTÓGRAFOS
Vamos llegando al final, a una de sus pasiones, la imagen, creada o documental. En la sala dedicada a su relación con los fotógrafos y la fotografía, cuelgan diversos retratos hechos por Dora Maar, Robert Doisneau, Brassai, Willy Ronis. Con sus amigos recorre las calles de Paris, de los grandes espacios de los parques, a los bulliciosos grands boulevards o los pasajes y callejuelas desconocidas de su ciudad. El recorrido nos muestra una de las publicaciones dedicadas a Paris que resume la relación creativa entre el escritor y les chasseurs d’images, el libro Le Grand Bal du printemps realizado en colaboración con Izis. Sus fotos con Picasso son el testimonio de la admiración y la complicidad entre los dos artistas que se visitan con frecuencia durante las estancias de Prévert en Antibes.

El buró de Jacques Prévert en Paris.

PINTURA Y COLLAGES
Durante los años 40 trabajarà en sus collages, la creación libre de la asociación de recursos plàsticos y del lenguaje, recicla periódicos, fotos de amigos, retoma aforismos, proverbios populares que trabaja con humor a veces tenebroso. Sobre una foto en blanco y negro de Brassai, Prévert dispone « Los Amantes », el hombre con cuerpo de simio, lleva por cabeza un rojo corazón descarnado y ella cabeza-corazón también muestra sus sensuales piernas calzada de sandalias; parodiando el Génesis, escribe : « Y Adàn comprendió que ella no tenía la muerte en el alma sino la vida en el cuerpo y el cuerpo en la vida. Fueron cegados por el placer y la sangre fue lavada por el amor. La Belleza no era imaginaria, es por ello que todavía se pasea entre nosotros en la tierra »El origen de ésta relación con la imagen, con el objeto, lo encontramos en sus horas de trabajo junto a Ives Tanguy recortando artículos para los clientes de el Courrier de la presse. En una de sus definiciones humorísticas resume : « Collage: situación de un hombre y una mujer que viven juntos sin estar casados ». En una entrevista con L’Express, en 1963, explica que « cuando algo le gusta lo recorta y lo guarda en sus gavetas, pueden pasar años, continúa pero yo sé que està ahí», hasta que encuentra la imagen con la que podrà realizar la asociación, reestructurando el sentido y reconstruyendo el mundo que desfila ante sus ojos. Humorísticos, satíricos en la mejor tradición francesa de Molière, Prévert lanza sus afilados dardos a la realidad política, a la iglesia y sus curas, a la defensa de la mujer y de las personas socialmente fràgiles, todos los entrevistados describen a un hombre càlido, – en palabras del pintor francés Fromanger,  Jacques était une «source de chaleur»,- . Jacques Prévert, un hombre que  gustaba recibir en su casa a sus amigos y que hablaba con la misma atención a un aristócrata que a un chiffonier.

©2008 Maite Díaz

La exposición està abierta todos los días menos los domingos y días feriados.De 10h a 19h del 24 de octubre al 28 de febrero 2009. Entrada gratuita. Hôtel de Ville. Salle Saint-Jean. 5, rue Lobau, Paris 4e

Memorias de mi padre III

Memorias de mi padre. Cuba y España

Tomás Oliva y José Antonio Díaz Peláez, La Coruña 1952

Estàn en una plaza de La Coruña, con dos amigas gallegas. La imagen es de la España de la postguerra, escasez, extraperlo, emigración a Venezuela y màs tarde, en los sesenta, a Alemania desde el norte.

Habían embarcado en La Habana, dos escultores abstractos, miembros fundadores del Grupo Los Once. Tomàs Oliva a la izquierda y José Antonio Díaz Pelàez, mi padre, a la derecha. Cuba en aquella época era un país próspero. Durante un año trabajaron en la realización de las piezas monumentales al exterior de la fachada del Museo de Bellas Artes de La Habana. Con ese dinero y doscientos dólares mensuales que mi abuela Elisa le giraba, mi padre recorrió España, Francia y Bélgica en el año 1952.

Había dejado Asturias en 1939 poco antes del fin de la guerra civil española. Su deseo màs íntimo era regresar, caminar por la playa San Lorenzo, en Gijón, la playa de su niñez, y volver al pueblo de su madre, San Martín de Grazanes, en Cangas de Onís, allí se habían refugiado, tras perderlo casi todo durante los bombardeos de Gijón.

El viaje a Europa tenía como objetivo París fundamentalmente. Agustín Cárdenas, otro escultor del grupo había viajado con una beca instalándose en París, podríamos pensar que en La Habana de los cincuenta “la discriminación positiva”, a la americana, funcionaba naturalmente, pues Cárdenas era un negro tan oscuro como la noche. Recuerdo una tarde en La Habana, poco antes de marchar Tomàs Oliva de Cuba, durante aquellos años difíciles en que sólo mis padres, Antonia Eiriz y algún que otro amigo mantuvo la amistad mientras Oliva se convertía en un apestado por su decisión de abandonar Cuba. No entraba en la Uneac, (Unión de Escritores y Artistas de Cuba) llamaba a Emma, cuñada del poeta Pablo Armando Fernàndez que era la secretaria de Artes Plàsticas, Emma avisaba a mi padre y Tomàs nos esperaba en la esquina de G y 17 donde había una bodega. Muchas veces almorzàbamos juntos en algún restaurante, Tomàs trabajaba, castigado, en la marmolera del Cementerio Colón esperando la visa española; a comienzos de los años sesenta había sido director de Artes Plàsticas, un cargo casi con rango de ministro en aquella época. Los dos revivían conversando sus viajes y aventuras.

En éstos días de elecciones norteamericanas y revuelo con las minorías étnicas, sexuales, recordé el chiste que hacían los amigos de mi padre sobre París en los cincuenta, decían que, « en aquella época ser negro o homosexual te adelantaba quince años de carrera », con lo cuàl, siguiendo la ironía, podríamos decir que París fue pionera en el tema de “la discriminación positiva”, al menos, en el territorio de las artes.

©2008 Maite Díaz

Carter y Glenn Ligon en la Galería de Yvon Lambert

La galería de Yvon Lambert se estructura en tres grandes salas en los bajos de Xippas.La entrada es una puerta doble de cristal automatizada, màs bien de metro, aeropuerto o tienda design sofisticada, algo que abunda bastante en el barrio, que cada vez se transforma màs en un inmenso escaparate de fringues, bolsos a 700 euros, trapos de 200 para arriba y muchos americanos, ricos que entran y salen y compran,  pocos franceses comprando.

Regresamos a la galería, exponen a un artista llamado Carter. Cuadros, instalaciones, y un video que no me detuve a mirar, un hombre con una linterna de la boca leyendo unos papeles. En el suelo fragmentos de alfombras y de la pared una media pierna saliendo del muro y organizadas unas pilas de ropa cuidadosamente doblada. Misterioso, pero allí la pierna vestida y calzada es un atrezzo vacío, sugerente, explotando el presupuesto del absurdo surrealista y a la espera de que nosotros le colguemos alguna historia al conjunto. Los cuadros son collages de fragmentos de texturas, pelos y un dibujo detallado que recuerda las tintas del mexicano Cuevas.

De las dos exposiciones vistas deduzco que la pluralidad de medios es un imperativo estético, en ésta no hay fotografías clàsicas pero el soporte fotogràfico es utilizado como fondo de unos cuadros màs bien dibujos sobre tela y fragmentos de papel entelado, y pelos, pelos, cientos miles de pelos, cabellos que dibujan atrapados en una especie de barniz o resina.

Visito la librería y disfruto un libro de fotos de Barceló, atrapa la fuerza y la sensualidad de sus gestos, la locura de sus murales de ceràmica realizados a duo, en los que se tranforman y disfrazan con piezas de barro, torneadas, deformadas, agujeredas, proyectadas contra un muro; vital, algo voluptuoso y agresivo después de tanta levedad matérica y distancia conceptual. Me gusta Barceló, verlo embarrado como un niño malo, amasando barro, dibujando el espacio como un hombre de pueblo que dispusiera la cal sobre los muros soleados de su casa, con cuidado y con pasión. Grande Barceló, no hay dudas.

La útima sala guarda una pieza hermosa, el pastel de la tarde, o màs bien como una de esas galletas de vainilla y pistachos que parecen diseñadas por Paul Klee y que se venden en las boulangeries del Marais, una trama de mosaicos, el espacio pequeño tapizado de adoquines, « pavés » dibujando la frase en hueco TOUT DOIT DISPARAÎTRE, arena ocre et je cherche la plage, la plage de 68, mi playa Santa María del Mar en ésta sala del Marais, en un sótano, una cava medieval que me transporta a mi viaje a New York y mi emoción ante el cuarto de tierra de Walter de Maria o la visita del Broken Kilometer .

TOUT DOIT DISPARAÎTRE, me reconcilia con la visita, el artista es un afroamericano del Bronx nacido en 1960, Glenn Ligon, su exposición se titula Figura/ Paisaje/ Marina no sé si su pieza es un pavimento sepultado, una recreación arqueológica, de hecho està en el nivel del sótano, hay que bajar a las profundidades, no hay luz, no hay ventanas ni vidrieras, serà una vieja calle cubierta por una lluvia persistente pero imperceptible que ha logrado borrar nuestra memoria y nos propone, jugar en éste fragmento, remover las piedras y, quizàs, encontrar algún sentido.

©2008 Maite Díaz

 

Janaina Tschäpe en la galería Xippas

PARIS. Recorrido por las galerías del Marais

Las galerías de Yvon Lambert y Xippas estàn en la rue Vieille du Temple, en el corazón del Marais, en Paris. Las dos son dos espacios interiores al fondo de una cour, un patio interior que da acceso a diferentes inmuebles. Entré primero a la Xippas, se accede por una escalera angosta, escalones de buena madera, paredes y techo blanco, bajo, es como si entraras a una piràmide como la de Chichén Itzà, hay algo de iniciático en ésta subida de reducida perspectiva sin visualizar el espacio que se abre arriba con un puntal generoso y tres salas dispuestas en herradura.

La primera sala es estrecha, a la izquierda la oficina de información, los catàlogos y a la derecha unas fotos de unos globos de helio soltados en los hermosos paisajes semidesérticos de Arizona, los globos son lunas, soles oscuros, la autora es la artista Janaina Tschäpe, es alemana y brasileña. La fotografía que vemos a la entrada nos recuerda a Max Ernst, las rocas y el azul de un cielo limpio sin humedades.

En la segunda sala, el conjunto de fotografías del fondo es la pieza màs coherente y rotunda. Organiza en veinte imàgenes un conjunto de fotografías de objetos inflables, o rellenos de agua, globos, condones que sudan convirtiéndose  en formas vivientes mórbidas, algo industriales, como salidos de una botànica de laboratorio descansando en fragmentos de selva lujuriosa e inquietante. Las fotografías y una gran acuarela, enorme, de unos tres por dos metros son las piezas que me seducen. Los dibujos pequeños no llegan a tener el misterio de las fotografías ni la dimensión envolvente del mar de burbujas, globos que nos rodea mientras disfrutamos la gran acuarela. Una obra sobre tela en la pequeña sala, un gran formato, es la pieza màs pobre y que podían habérsela ahorrado en mi opinión; la hermosura del trazo en sus dibujos, la fluidez de la acuarela  se endurece en la tela, el trazo pierde el encanto de la escritura del dibujo. En la última sala, un video de una niña en un camino polvoriento de Arizona, de espaldas, de blanco lentamente se aleja hasta perderse en el horizonte. Los videos realmente me parecen muchas veces intrascendentes, largos y aburridos. Esta exposición sucede a una retrospectiva de Janaina Tschäpe en el IMMA de Dublin. (continuarà…)

©2008 Maite Díaz